Handels, neo rock nacional(?)

Ayer volviendo a casa después de un largo día de laburo en la disquería pasé por la puerta de Club V, un señor antro de rock ya mítico. En general suenan bandas punk y metaleras, ese palo. Pero ayer sonaba algo al mango pero piola (no digo que el punk y el metal no sean piolas, es una cuestión de gustos musicales nomás). Sonaba fuerte y bueno, así que pregunté y uno me dijo "toca Handels, la banda del guitarrista de Zumbadores, son medio Arctic, está buena" lo que escuchaba de afuera me sonaba mas stoner que brit, pero ya fuera este o aquel estilo, o mejor aun, los dos combinados, para mi era una oferta que no podía rechazar y encima, gratis.

Voy a hacer un paréntesis para hablar del lugar y la escena, después vuelvo con la banda.

En general los extranjeros que gustan de la música en vivo, me preguntan, dónde puedo ir a ver bandas? y es una pregunta que parece fácil de responder pero no es tan así. Porque si bien, hay muchos lugares donde se toca y se hacen espectáculos, son pocos los que tienen una propuesta o una identidad como bar de rock. Lo que tenemos nosotros, a diferencia de otras megalopolis como Nueva York o Londres son "lugares donde se toca". Entonces hay que estar pendientes de las bandas para saber cuándo tocan dónde. Pero no es que un viernes o sábado a la noche podemos ir a tal bar que seguro enganchamos una banda piola y, no menos importante, gratis. Pero no es importante por ahorrarse unos mangos, es importante porque el hecho de que no cobren entrada implica que no tiene una preponderancia particular el espectáculo. Tiene preponderancia el bar en si, la propuesta que tiene, gastar esa plata de la entrada en consumir en la barra y la banda termina siendo algo que el bar ofrece como un "servicio" o característica. Quiero decir por ejemplo, se sabe que en tal bar hay buena cockteleria o cocina hasta tarde, bueno, en este bar tocan buenas bandas. En un punto la oferta esta al mismo nivel. Igual tengo entendido que en este lugar, otras veces, si cobran entrada pero debe depender del día o el espectáculo. Ayer, todo se sintió como debería ser. Lamentablemente, estamos acostumbrados a que nos cobren entrada y que nos traten mal. Cuando eso no sucede parece extraño, pero no, así tiene que ser.
Bien, dicho esto, volvamos a la banda.

Entonces sucedió, por un momento sentí que estaba en un rock bar de Nueva York porque, efectivamente, la banda tenia una impronta no nacional. Curioso este asunto del rock "nacional" porque ya no es una cuestión de la Industria Argentina, el "rock nacional" es un estilo, un tipo de rock, bien característico de argentina que definitivamente, estos pibes no hacen. 3 temas me bastaron para entender qué pasaba. Hay una clara influencia Arctic Monkeys, pero bien, bien absorbida, bien tocada y bien cantada. Esto es muy importante, porque el rock nacional suena bien en argentino, el rock argentino "no nacional" no. Suena como el culo. El otro día escuchaba un poco de esta banda Cirse que esta bastante rosqueada estos días. Suena bien hasta que entra la cantante y la caga toda, no porque cante mal, si no porque suena feo.

En fin, estos pibes Handels la tienen, otra cosa que Zumbadores, la banda donde el líder de ésta, Matias Barmat, toca la guitarra. Y saben qué fue de lo mas lindo? que los pibes se cagaron de risa todo el show. Tocaron con mucho gusto y alegría. Y eso se transmite a través de las cuerdas y los parches y la vibra nos llegó a todos. Muy bien felicitado. Ademas tocan fuerte y prolijo y eso siempre es un placer.

Rock. 

Lo mejor de Julio, lo poco de Agosto, se viene Septiembre

Estamos promediando agosto ya y no tuve mucha actividad en el blog. Sepan disculpar, estuve ocupado en otros asuntos, pero no dejo de trabajar. En este momento estoy armando varios artículos pero hay dos en particular que son mas profundos que requieren de un laburo que lleva mas tiempo, pero todo sea en pos de la calidad de los mismos.

Mientras tanto, les dejo el top ten de las notas que publiqué en Julio, por si se perdieron alguna.

Septiembre será el regreso con los tapones de punta. También, agregué el widget de Soundcloud para que puedan escuchar mi propia música.

Saludos, buen septiembre para todos.

Jorge Alvarez, el primer productor de rock argentino

La mejor película porno de la historia

El día del baterista

Rock uruguayo de principios de los 70

Diálogo con un cartonero

El dia del amigo

Wilco - Star Wars (y la maquina del tiempo)

Las mejores nuevas bandas Argentinas!

Prince Harvey - Phatass (grabado en Apple Store)

Massacre VS. Los Brujos

El nuevo clásico rock de siempre

Los que me siguen saben que me quejo siempre de lo mismo. Las pocas bandas que hacen rock de verdad, el bastardeo constante a la batería y el espacio que los sintetizadores (cada vez mas baratos y accesibles) le ganaron a la guitarra eléctrica, que venía tranquila haciendo su trabajo perfectamente hace unos 65 años. Por eso, es bueno destacar cuando aparece algo que mantiene viva la esencia del rock. Guitarra, bajo y batería, con onda, poder y listo. Como siempre pasa, después de una ola de modernidad, viene la espuma de lo retro, que igual no puede evitar ser actual por definición, no es de aquella época, es retro. Eso implica emular ciertas características de los originales y eso se nota. A veces madera, a veces plástico.

Pero, como viajar en el tiempo todavía no podemos, veamos que nos puede recordar a los viejos tiempos. Este camino lo empezó Jack White y sus White Stripes, seguido por The Hives, The Vines  y otras bandas del estilo que resistían. Después vinieron los Black Keys y Wolfmother que también aportaron lo suyo para mantener viva la antorcha del rock clásico en el siglo 21.
Acá los últimos discos de 4 bandas a las que les toca ésta tarea hoy.

Rival Sons

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Banda de Long Beach California formada en 2009. Tienen un sonido entre stoner y clásico. Riffs poderosos con sonido retrofuturísta. O sea, parece que suena viejo pero en realidad es re moderno. Algo así como el instagram a la polaroid. En general suena con mucha reverb pero a la batería por ejemplo le queda bien, suena abierta, espaciosa, piola. Lo que menos me gusta es el exceso de distorsión en la voz. Un intento plug-in-esco de convertir al cantante de los Killers en Robert Plant. De cualquier manera, está bien. Tienen el rock, el de verdad, el que ya no suena tanto y destaca en este desierto musical que alguna vez fue mar, donde surfean estos californianos.

Mezcla de Zeppelin con Doors, va desde riffs hasta climas mas gordos. El tema Open My Eyes es o bien un choreo mezcla de When The Leave Breakes con Your Time Is Gonna Come o un homenaje...

Últimamente participaron de un disco especial por los 80 años del Dalai Lama y serán teloneros de Deep Purple en su tour europeo 2015.

Ellos mismos dicen que quieren darle a la gente el rock and roll que se merecen manteniéndolo honesto, visceral y peligroso. Buena.

The Temperance Movement

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Increíble, apenas escucho el primer tema de la banda me digo "que banda clásica de rock yanqui", me pongo a leer y resulta que no. Es la primera banda inglesa que yo conozco que quiere sonar americana, podés creerlo? La banda se formó en 2011 en Londres en un rejunte de músicos que ya venían de otros grupos bastante exitosos, por ejemplo el bajista, Nick Fyffe ha tocado con Jamiroquai y Robert Plant entre otros, tranca. El cantante tiene el estilo clásico yanqui. Gritón, rasposo, bien arriba. Además es blues rock, riffero simple, nada que ver con el rock inglés al que estamos acostumbrados. Ese de pared de guitarras y bajos que no se definen, no. Acá todo suena bien clarito y poderoso. A diferencia de la banda anterior, ellos no buscan emular un sonido viejo, pero el estilo es old school, entonces cierra perfecto porque todo suena bien, nada exagerado, simplemente unos tipos tocando buen rock (y algo de folk).

Ty Segall

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Este pibe oriundo de Laguna Beach, California la tiene. Con tan solo 28 años grabó 6 lps desde 2009.

La onda es mas canción que los anteriores, mas beat, tiene algo mas británico en el tipo de canciones estilo flower power. Pero es definitivamente rock garage punk americano de guitarras fender. Lo copado de este chabón es que logra el estilo viejo tanto desde las composiciones como en el sonido. Éste realmente suena a viejo, quiero decir, suena a equipo valvular sucio, no a plugin emulador.

Es una mezcla de Stooges con Byrds, Beatles y Bowie zapando en una comunidad de San Francisco. Muy bueno. Éste es el primer simple de su nuevo y primer álbum doble "Manipulator".

Su sonido es claro: Una fender pasa por un fuzz y va a un ampli fender de los 70. La batería suena espectacular, grande, con aire y un toque de distorsión. Listo, a darle átomos.

Royal Blood

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Este dúo de bajo y batería formado en Brighton, Inglaterra en el año 2013 difiere mucho de los 3 artistas que vimos arriba. Porque estos hacen un rock mucho mas moderno. Es como un stoner indie evolucionado. El sonido inclusive es mas hardcore. Pero tienen la impronta rockera original a viva voz. E influencias y yeites claramente stoner, como el unisono de ciertos arreglos entre el bajo la guitarra, por lo menos en estudio. En vivo, el bajista y cantante esta ahí solito y solo con su bajo y una pequeña pared de amplis que tiene 2 de guitarra y uno grande de bajo. Debe tener un par de pedales y efectos que logran dividir la señal y conseguir un sonido bien gordo en graves y sonidos que suenan a guitarra en los trastes mas altos. la verdad todo un mérito.
Howard Stern y Jimmy Page son fans declarados. Este último dijo que "es muy refrescante de escuchar, porque tocan con el espíritu de las cosas que los precedieron pero se ve claramente que van a llevar al rock a un campo nuevo, si no es que ya lo están haciendo" En febrero de este año, el mismísimo Page les entregó el premio a mejor grupo británico en los Brit Awards.

Este grupo me dió una idea para un próximo post dedicado exclusivamente a dúos de rock. Sale!

Slinkachu

Dicen que todos los artistas tienen algo de niño interior que se niega a crecer  y este tipo es un claro ejemplo de eso. Aunque tiene la adultez suficiente para abandonar su obra a la buena de dios porque eso es parte de la obra en si; qué pasa después de que las instala.

Slinkachu es un artista callejero británico que se diferencia mucho del concepto general que tenemos de éstos. En contraste con el arte de Shepard Fairey y sus posters gigantes de propaganda o Banksy y sus stencils críticos, o los mosaicos de Space Invader, el enfoque de este artista es mucho mas sutil, mas sensible. Tranquilamente podés pasar por al lado de una de sus instalaciones y no darte cuenta de que está ahí.

Por qué? porque las obras de este artista de 36 años son en miniatura y en general se advierten desde su página o blog en macrofotografías, ya que sus figuras, a veces, no superan el centímetro de altura. 

El proyecto "Little People" de este ex director de arte comenzó en 2006 en Londres y se extendió por varias ciudades importantes del mundo como ser Amsterdam, Barcelona, Manchester, Stavanger (Noruega), Rotterdam, Ciudad del Cabo, Doha, Berlin, New York y algunas ciudades de Italia.

Las escenas siempre contienen un toque de humor surreal, pero también un punto de amargura y melancolía. Los personajes de Slinkachu están perdidos, desubicados y superados por su entorno.

Slinkachu utiliza figuras humanas de los juegos de trenes a escala y las modifica utilizando un cuchillo y una lupa. Un hombre que monta una bicicleta puede convertirse en un superheroe saltando de un edificio, también los pinta para darles el atuendo adecuado para la escena. Y para las "escenografías" utiliza objetos de la vida cotidiana. Un helado derretido se convierte en un trampolín de una pileta, una tapa de botella se convierte en un bote, una pelota de tenis es una isla desierta y una bolsa de basura verde, una pradera. Incluso utiliza elementos del entorno, una grieta es una cueva, una planta es una hamaca y un charquito es un gran lago.

La idea del artista es destacar por medio de la escala cómo se vive en las grandes ciudades. Cómo respondemos al ambiente urbano y como la ciudad puede ser un lugar difícil y muy solitario donde los problemas y las experiencias de la gente pasan desapercibidos a los demás. Este último detalle es parte fundamental de la obra. El artista deja las figuras abandonadas una vez que las fotografió y no vuelve a verificar si sobreviven al trajín de la rutina metropolitana. Le gusta la idea de que el destino de estos personajes es de ellos en interacción con la ciudad, el clima y la gente. Como que esta "gente pequeña" tiene su vida, sus problemas y sus experiencias en la ciudad como todos nosotros. Y así, en cada instalación, hace una clara critica a la sociedad moderna. En sus palabras "Me gusta la idea de que las historias de esta gente pequeña continua una vez que las dejo ahí. Parecido a la gente real con la que uno se cruza en la calle. No quiero saber que pasa con ellos, pero hay una sensación extraña al abandonar tu obra en la calle. Espero que la gente las encuentre sola, pero parte de la idea también es que pasen desapercibidos."

Muchas de las obras cuentan historias alegres, como una mujer bañándose en una catarata que sale de una botella de Sprite o unos jóvenes haciendo skate dentro de una cascara de naranja, pero en general cuentan historias dramáticas de la vida moderna en la ciudad. El miedo, la soledad y la vulnerabilidad.

Es realmente increíble como funciona la escala, que algo tan pequeño pueda producir emociones tan grandes. 

Últimamente trabajó para Marvel en la campaña de la película "Antman" dejando escenas de acción dispersas por toda la ciudad de Londres.

Realmente un artista de una calidad y sensibilidad notables tanto por la atención al detalle de sus obras, lo claro de las escenas y la madurez de desprenderse de la obra y dejarla a su propio destino.

http://www.slinkachu.com/

Inspiración, una patada en los huevos...

Qué es la inspiración? Qué provoca a un artista para componer una obra del tipo que sea? Cuál es la necesidad? es una descarga? es para matar el tiempo? viene inevitablemente desde la tristeza? desde la decepción o puede venir desde la alegría y el goce?

Hay varias y muy antiguas teorías, siendo que el arte existe desde el hombre en si mismo. Tanto los griegos como los nórdicos y los cristianos sostenían que la inspiración es divina, que viene de arriba, tanto de los dioses como del espíritu santo en cada caso. La mente del artista es transportada por un momento a un mundo superior que lo posee y lo obliga a crear donde la personalidad humana y puntos de vista del autor harían de mediadores de la palabra santa . El Problemata (de autoría desconocida, pero de la escuela peripatética), sugiere que el origen de la inspiración se encuentra en el desbalance entre los cuatro humores. Otros profetas sostenían que venía acompañada de la revelación, la influencia del mundo que nos rodea.

En la época romántica el filosofo inglés John Locke sugería que las ideas se asociaban entre sí y que una cuerda en la mente podía ser alcanzada por una idea resonante. Por lo tanto, la inspiración era en alguna medida un proceso azaroso pero completamente natural de asociación de ideas y pensamiento unísono repentino. En la era moderna Sigmund Freud y otros psicólogos posteriores ubicaron a la inspiración en la psiquis interna del artista. La inspiración del artista era producto de un conflicto psicológico no resuelto o de un trauma de la niñez (para variar...). Más aún, la inspiración podía originarse directamente en el subconsciente. Freud veía a los artistas como especiales, y con heridas profundas.

Academicamente, mas o menos va por acá y todas las teorías tienen dos puntos en común; la sensibilidad y el genio. La sensibilidad vendría a ser algo que tiene más que ver con la influencia del entorno y la historia de la persona. Y el genio genius, termino acuñado por el poeta inglés Edward Young, que básicamente es el talento, el "dios interno" con lo que el artista nace y al que se le provee desde un lugar más elevado.

La verdad es que es algo muy difícil de determinar. Depende mucho del artista en cada caso. Pero hay un punto fundamental que es uno de los más comunes: el dolor.

El dolor, el desamor, la ausencia, la decepción, la desilusión, la perdida... todas esas sensaciones que nos dejan con un sabor amargo, con angustia y que nada podemos hacer, porque la vida es así. La vida consta de situaciones donde el resultado son estas sensaciones que, seguramente, en un pasado o en un futuro serían lo contrario porque si uno perdió es porque tuvo. Y si no tiene, inevitablemente, después va a tener. Porque el universo equilibra siempre por todos lados, tarde o temprano. Y la vida es cíclica. La famosa racha. Hay buenas y malas, lo importante es saber que cuando estás en una, después, viene la otra. Y para eso hay que saber apreciar y estar preparado para todo.

Pero volvamos a la inspiración. En este caso, esas sensaciones son la inspiración en si, en la medida que decidamos hacer algo con eso. Porque ¿qué podemos hacer con esas situaciones y sensaciones angustiosas? nada. Es más, si no hacemos nada, que de buenas a primeras es lo único que pareciera que uno puede hacer, podemos lastimarnos peor. Generar angustias muy profundas que pueden tener consecuencias físicas y mentales.

Entonces, para mi, el genio pasa por la capacidad de tomar la decisión de no estar mal. Pero cómo? Haciendo una buena digestión. Voy a hacer una analogía por ahí no muy agradable, pero práctica.

En el cuerpo humano la digestión, es el proceso en que los alimentos, al pasar por el sistema digestivo, son transformados en nutrientes necesarios para su buen funcionamiento. Consta de momentos básicos:

Ingestión: entrada de alimento al aparato digestivo.

Digestión propiamente dicha: conversión de los alimentos en nutrientes. Implica procesos mecánicos y químicos.

Absorción: movimiento de los nutrientes desde el sistema digestivo hasta los capilares circulatorios y linfáticos.

Egestión o defecación: remoción de materiales no digeridos del tracto digestivo a través de la defecación o la regurgitación.

Lo que quiero decir básicamente es que primero existe una Ingestión de las experiencias. Luego viene la Digestión y Absorción que es donde sucede el aprendizaje. Donde rescatamos lo bueno, lo nutriente que podemos sacar de esta experiencia (este es el proceso más importante). Y por último, con el que más estamos familiarizados todos, la Egestión o la defecación que, en este caso, sería la "obra de arte" en si. Raro poner en un lugar de "mierda" una obra de arte o viceversa no? a veces pasa...

En fin, "sacarse la mierda". Esa frase con la que tanto estamos familiarizados significa exactamente eso. Yo mismo empecé este blog como para sacarme la mierda. En realidad, empecé a escribir cosas como descarga de una situación angustiosa y me di cuenta que solo iba a suceder el aprendizaje si lo sacaba para afuera.

En resumen una obra de arte son los restos del aprendizaje a partir de tal o cual experiencia.

No todos tienen la gracia de hacerlo bien y bonito. Acá juega el talento, el genio.

Todo esto porque hace poco escuché un tema y llegué a la siguiente conclusión:

Prefiero no ser un genio y componer semejante obra de arte maravillosa, bellísima, y no haber sufrido ese dolor.

Hugo Fattoruso - Ausencia de Alejandra Volpi

The Revivalists - Men Amongst Mountains

Qué es un hit? Un hit es un tema que suena agradable al común de la gente, familiar. Bien tocado, bien arreglado, bien instrumentado, bien producido, que no se hace largo, ni corto, que cambia justo donde tiene que cambiar, que tiene vueltas que probablemente ya hayamos escuchado en otras canciones y que, fundamentalmente, suene a radio. Nadie mejor que los norteamericanos para hacer sonar cualquier cosa en la radio. De hecho producen en esa función, no todo, pero mucho se produce comercialmente desde la misma composición.

Esto genera un espacio extraño entre las bandas malas y las buenas porque, con tanto maquillaje, cómo se hace para rescatar algo bueno de la radio? Escuchando el disco entero.

The Revivalists es una banda de folk/rock/soul norteamericana formada en New Orleans en 2007.

Son 7 tipos que acaban de lanzar su último álbum lleno de hits "Men Amongst Mountains" y es un claro ejemplo de maduración. Sus dos discos anteriores eran mas rockeros, mas potentes. Este disco, es mas tranquilo, mas moderno. No estalla, tiene mucho de folk tradicional encarado desde una sonoridad acorde a las tendencias actuales. 

Entonces me empiezo a preguntar qué estoy haciendo. Por qué estoy escribiendo sobre algo que no me sorprende? Porque yo escuché algo de esta banda que estaba bueno, pero no parece ser este disco y acá llego a una conclusión; esto de la madurez.

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Mucho se habla de la evolución de las bandas en los discos y siempre es igual. En algún momento se habla de que la banda está mas "madura". Esto no lo digo yo, lo dicen los mismos pibes estos en su pagina, "...reflejo de los temas más amplios que conectan las canciones, la grabación e instrumentación de Men Amongst Mountains representa el siguiente paso en la profundidad y

madurez de The Revivalists" Y en general cuando hablan de "más madura" hablan de más lenta, suave y aburrida. No se por qué le dicen "maduración" a la falta de rock. Cierto es que ningún disco de ninguna banda va a superar la energía y espontaneidad del álbum debut. Cuántos primeros discos se han grabado en una sola toma o se han grabado enteros, borrados y vueltos a regrabar por la locura y manía del debutante. El segundo disco suele ser inercial al primero. Temas que sobraron o se idearon durante la grabación del primero. Después, dos años de giras mundiales sin parar, componiendo canciones ya un poco mas introspectivas en pasillos de hotel sobre lo bueno y lo malo del rock and roll, mujeres, drogas, alcohol, la existencia, extrañar casa, a la gente, la soledad, todo eso y ahí de repente como que el tipo "madura" y se vuelve un mantequita. No me parece mal bajar un cambio si así le pinta al artista o banda, lo que no entiendo nunca es que se hable de madurez, tanto desde la prensa como los mismos artistas. Madurez es darte cuenta que este tercer disco es una cagada, que nunca vas a componer nada mejor que tus primeros dos discos, pero que nunca tampoco debes dejar de intentarlo, con naturalidad, espontaneidad y sin presión ni esfuerzos exagerados. Eso es madurez.

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Recomiendo altamente los dos primeros discos de esta banda The Revivalists y no este ultimo.

Ojo! es muy yanqui. Puede herir la sensibilidad de algunos.

Salu!

Rock accesible

Sean Grey es un músico estadounidense líder de la banda Birth oriunda de Baltimore, Maryland.

Además dirige no uno, sino dos sellos independientes de punk rock, Accidental Guest Recordings y Fan Death Records. Por supuesto, es un entusiasta de la música y le gusta mucho salir a ver bandas y estar al día con lo que pasa.

Pero hay un detalle que hace que todo lo que les cuento sea o una hazaña o imposible, no por él, si no por el mundo que nos rodea. Grey sufre de parálisis cerebral que le provoca problemas de motricidad y tiene que moverse con la ayuda de un andador.

Un buen día, o mejor dicho, una buena noche, quizo ir a ver a una de sus bandas favoritas en un boliche en Washington D.C., The Pinch y se dio cuenta que no iba a poder ser. The Pinch es un sótano.

En un principio se molestó bastante pero después se dio cuenta de que esto no era la primera vez que le pasaba. Varias veces había ido a shows sin saber sobre la accesibilidad del lugar y se había quedado varado. Entonces pensó en hacer algo para que nadie mas con estas condiciones tenga que sufrir tal situación. Mas adelante les cuento que hizo, pero antes, un texto donde el propio Sean cuenta la experiencia de ir a un show de rock teniendo una discapacidad motriz. El texto se publicó en pitchfork.com y yo se los traduzco aquí.

Ir a un show teniendo una discapacidad

por Sean Grey

Cuando salgo, espero que nadie se de cuenta.

Esta noche hay un show al que quiero ir en un lugar que ya conozco. Ya se a lo que me voy a enfrentar. Me preparo con todos los recaudos necesarios y emprendo la aventura.

Lo primero que veo son escalones que parecen eternos. Es como si tuviera que subir al monte Fuji. Escalo y escalo poniendo en riesgo mi cuerpo. Navegando los escalones y las miradas, a las que ya estoy acostumbrado... "Esto no es difícil, es simplemente algo que hago" me digo. Solo tengo que sobrepasar estas escalaras eternas así no tengo que lidiar con esto otra vez, al menos, por unas horas.

"Wow, que bueno que lo lograste! es una muestra de que realmente te gusta esta banda" dice alguien con entusiasmo. En mi mente pienso "Me gusta esta banda y también quería ver a mis amigos!" Pero en lugar de decir eso, sonrío y digo fuerte "Seguro!" porque qué mas puedo decir?

Mis amigos están sentados en la barra. En lugar de luchar para subirme a una de esas sillas altas que parecen ser mas problemáticas de lo que valen, me quedo parado detrás de ellos. Hablamos todos pero, como yo estoy atrás de ellos mi aporte a la conversación se ve como silenciado. Mis amigos toman algo, pero yo no puedo participar de eso tampoco por que la ingesta de liquido implicaría volver a luchar con esa montaña de escalera solo para ir al baño. Se que mis amigos me quieren ahí con ellos pero en el fondo me pregunto si mis necesidades no son una carga para ellos. Tal vez me equivoco, pero igual, prefiero no correr el riesgo.

En general me olvido de mis piernas. Lo que no puedo evitar olvidarme es el artilugio metálico que me rodea. Esta cosa, el andador, funciona como un campo de fuerza cuando voy a un show. A veces, cuando hay mucha gente alrededor, me da un poco de espacio extra que está bueno pero otras veces simplemente provoca que nadie se acerque o converse conmigo.

Después de un rato dejo a mis amigos, si no consigo un espacio justo delante del escenario seguramente pase toda la noche mirando al piso. Esta noche mi andador funciona como un campo de fuerza de espacio extra. No quiero pensar qué chistes me estoy perdiendo o qué discos están discutiendo mis amigos atrás en la barra. Lo único que se es que, si quiero ver este espectáculo, tengo que hacer estas cosas. Nunca pienso que es difícil, solo es lo que tengo que hacer y listo.

Así espero adelante, la banda sale y me olvido de todo. Bueno, no de todo, es inevitable que el andador llame la atención de la gente, mantienen distancia y eso está bien. El sonido de los amplificadores, la energía con la que toca el baterísta, todo eso, me lleva a otro lugar. Me meto con todo y me muevo todo lo que puedo. Siento que mi cuerpo intenta detenerme y lo dejo, pero en mi mente, nada me detiene.

Todo sudado y excitado al terminar el show, trato de ubicar a mis amigos y volvemos todos a la barra. Me doy cuenta de que es momento de un último trago antes de partir. Se que no nos vamos a quedar mucho mas pero, por mas corto que sea, disfruto mucho del tiempo que paso con mis amigos.

Luego de unos 20 minutos, algunos quieren ir a otro show en un lugar tipo galpón. "No puedo. Me pasan a buscar para llevarme a casa" digo, pero en mi cabeza solo estoy pensando en las montañas que tendría que escalar si fuera con ellos.

Mis amigos me ayudan a bajar las escaleras, son como 20 escalones, estoy todo sudado y mis piernas laten de tanto estar parado. Una vez abajo nos despedimos y ya está, no hay vuelta atrás, Espero hasta que viene el auto y me voy.

En tres días vuelvo a este mismo lugar y tengo que pasar por exactamente lo mismo otra vez porque hay otro show que quiero ver. Nadie va a notar todo lo que tengo que hacer solo para poder ver una banda, pero es lo que tengo que hacer.

Está claro no? La accesibilidad no es un detalle menor. Por ahí ni nos damos cuenta, pero un escalón, un desnivel, un show en un sótano o en un primer piso, deja a mucha gente afuera y, si bien hay legislación que exige baños accesibles en planta baja y demás, hay lugares que se habilitan igual o que ni están habilitados, pero bueno, el rock es así, se hace donde se puede como se puede. Lamentablemente hay gente que no puede participar de todos los eventos.

Entonces este tipo inventó una pagina que se llama "Is This Venue Accessible" (es este lugar accesible) itvaccessible.com donde brinda información recavada tanto por él como por la gente en general sobre la accesibilidad de los lugares donde hay shows. Esto es útil tanto para el público con discapacidad que quiera checkear las posibilidades que tenga para ir, como para los músicos que quieran hacer un show para todos y elegir un lugar que no discrimine.

Me pareció genial para conocer de primera mano algo que todos deberíamos tener en cuenta como sociedad. Una sociedad que a veces no quiere ver.

El poema del Facebook estadístico

wolframalpha.com es una página que pretende "hacer posible calcular cualquier cosa que se pueda calcular. Nuestro objetivo es construir sobre los logros de la ciencia y otras sistematizaciones de conocimiento para proporcionar una única fuente que puede ser invocada por todo el mundo en busca de respuestas definitivas a preguntas fácticas." No tengo la menor idea de qué es lo que quieren.

No se, hacen análisis de información y tienen un analizador de cuentas de facebook que te dice por ejemplo el promedio de likes que tenés, cuántos posts hiciste, a qué hora soles publicar mas y todo tipo de información innecesaria e incomprensible que no sirve para nada.

Pero hay una boludez que está piola. Es un analisis que te cuenta las palabras que más usas en tus posts de facebook y las organiza en una linda imagen estilo nube con colores como esta.

Ayer lo hice y me puse a leer las palabras y se sentía como si estuviera leyendo una especie de poema de esos que suenan mal escritos pero que justamente por eso son copados, cosa que nunca entendí de la intelectualidad. "Árbol, hoja, salto, luz...aproximación... "

Así que acá lo transcribí, tiene cosas interesantes.

(la imagen no coincide exactamente porque el poema es de ayer a la noche y la imagen de hoy. Con dos boludeces que postie, ya cambió la estadistica)

Favor igual música
muy siempre sin sobre son tan cosas musica
quien año después argentina buen facebook sea
va yo ahora alguien banda dice gente
ahí está al como esto mas mierda
acá si todos rock hoy todo te
por lo una para con que
de la algo les bueno
el en no me es se los un
este esta del que las mi
porque gracias pero hay ya día
nos años hace mundo san bien le tema
telmo mañana cuando era sustain
tengo ver fin
hacer ser tiene vamos vez voy mejor
buenos disco fue
ese noche otro poco

Musica que descubrí en Julio

Samantha Crain - Under Branch & Thorn & Tree

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Discazo. Folk con power. La voz de ella tiene mucha fuerza, los temas son excelentes y muy bien instrumentados y arreglados.

Samantha Crain es una cantautora, música, cantante y productora norteamericana de Shawnee, Oklahoma, Estados Unidos.

Con tan solo 28 años va por su cuarto lp y por su primer trabajo como productora del disco "Don't Write Love Songs" de Kierston White. 

Gwenno - Y Dyyd Olaf

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Gwenno Saunders es una artista galesa, cantante y bailarina. Formó parte de la banda The Pipettes y desde 2010 trabaja como solista. Este es su primer disco que fue lanzado en 2014 y reeditado este año. Es un disco buena onda, esencialmente psicodélico. Si hubiese existido en los 60, hubiese grabado exactamente el mismo disco. Tiene un clima muy agradable, muchos sintes y cámara, todo muy abierto muy lindo. Su voz es especial también, recuerda un poco la onda de dB Boulevard.

Vinyl Williams - Into

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Ya la tapa del disco anticipa lo que es. Clima, viaje, vuelo, todo junto. La verdad que no tengo mucho para decir porque es un disco mas para sentirlo. Lo puse y desde que arranco como que ni me di cuenta que estaba sonando, lo que si, me mantuvo en un buen tempo de mis tareas. Es llevadero, agradable, no tiene mucho, pero no suena a poco, de hecho el espectro sónico es muy amplio. Quiero decir, no tiene huecos, esta lleno. Muy tranquilo, muy bueno. Como el caso de Tame Impala, la banda es un tipo solo, el multi instrumentista y productor Lionel Williams. Un pendejo de 25 años nomas oriundo de Los Angeles, California. Se define como pop trascendental (space rock, dream pop, que se yo...), bastante de moda en estos días, pero la verdad que esto suena muy bien.

Field Music - Music for Drifters

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Este es un caso muy especial porque es una banda de sonido compuesta hoy para una película del año 1929. "Drifters" de John Grierson trata sobre la industria de la pesca de arenque en Gran Bretaña y esta considerada como el primer documental narrativo británico.

"Music for Drifters" fue encargado originalmente para ser tocado en vivo junto a la proyección de la película en 2013 en el marco del festival de Berwick y ahora lo editaron como disco.

Podríamos decir que es jazz pop instrumental. Destaco fundamentalmente que hay instrumentos de verdad. Hay batería acústica que se escucha, que tiene aire. Hay piano, hay guitarras, órganos, un buen bajo. Hay gente tocando. Me gusta como experimento y la calidad sonora y musical es excelente, así que muy interesante proyecto de la banda integrada por los hermanos David y Peter Brewis, fuera de lo que hacen habitualmente que es mas pop.

The Ganjas - After Dark

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The Ganjas son una banda de rock neo psicodélico de Santiago de Chile. Activos desde el 2000 su sonido es bien brit noventoso. Algo stoner también, ese punto que Oasis y Foo Fighters tienen en común pero que no se sabe bien qué es. Música de guitarras con buena distorsión y un bajo que se mete en la bola. Este es su sexto disco de estudio y suena bastante bien. Bien rockero, está muy bien tocado. En vivo deben ser explosivos. No por nada compartieron escenario con artistas como The Vaselines, Black Lips, R.E.M., The Jesus and Mary Chain y Beady Eye, cuyo guitarrista Andy Bell (Ex Ride y Oasis) es fan confeso. Cantan en inglés. Espero que a nadie le ofenda.

Havalina - Islas de Cemento

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Havalina es una banda de rock Madrileña que este año saco su octavo disco de estudio.

Las influencias son tan claras como opuestas. Soda Stereo, Smashing Pumpkins y Queens of the Stone Age conviven en esta banda cuyo único miembro original, líder, cantante y guitarrista Manuel Cabezalí lleva adelante hace quince años. Tiene muy buenos sonidos de guitarra que van desde el pop limpio con chorus hasta sonidos bien stoner oscuros o vuelos post rock. La batería de Javier Couceiro la rompe y Jaime Olmedo en el bajo acompaña muy bien. Originalmente cantaban en inglés pero de a poco lograron transformar al español y les sale bastante bien. Sabido es que el rock en español no es fácil de hacer melódico.

Cuando le dan duro esta buenísimo, los temas mas pop... que se yo, son pop.

Chain Reaction - When I Needed You

Corría el año 96 mas o menos. Internet ya había aparecido pero todavía no estaba muy disponible para el uso domestico, o por lo menos no para la clase media baja. Recuerdo en esa época, que íbamos a la casa del único compañero que tenia Internet. El bajaba fotos de Pamela Anderson, las imprimía, las pegaba en una hoja y nos la vendía a $1, que en ese momento era un montón de guita.

Pamela Anderson era la bomba de los 90. Otra penetración neoliberal típica de la época, la guarda vidas rubia "perfecta".
La grabadora de cd  también andaba proliferando por esos tiempos y la película porno casera de ella y Tommy Lee debe haber sido uno de los primeros y mas copiados cds de la historia.
 

Yo era fanático de Aerosmith. Mal. Me encantaba. La actitud de Tyler, la batería, los riffs, Perry nunca me cerró, pero iba, los temas mas canción, el logo, estaba espectacular. Mi viejo le había encargado a un amigo que había viajado a norteamerica una caja especial que se llamaba "Box Of Fire" Estaba increíble, eran 12 cds en una caja toda como prendida fuego y un fósforo como manija, espectacular. Estaba tan buena que hubo discos que ni los abrí. Entonces, después de haber instalado el "kit multimedia" en mi pc, fui al parque Rivadavia y compre un cd con la discografia completa de aerosmith en mp3 .

Bueno no voy a hablar especificamente de Aerosmith, es una gran banda con larga historia. Pero me acuerdo que había un tema que me flashaba en particular, se llamaba When I Needed You. Un tema bien 60s espectacular. Entre los Byrds y los Kinks, medio Stone, genial. Nada que ver con lo que estamos acostumbrados a escuchar de Aerosmith. Incluso tengo un recuerdo de escuchar a un chabón contándole a otro en el subte sobre este tema con el mismo entusiasmo por este color sixties.

Ayer me acordé de este tema y me puse a investigar a ver que onda y me llevé una sorpresa muy grata.

Este tema fue editado en un triple disco de Aerosmith del año 1991 que se llamo "Pandora's Box" con el fin de resumir y capitalizar los mejores momentos de la banda en el sello Geffen (hasta 1987 con "Permanent Vacation", luego filmarían con Columbia). Esta recopilación también contenía temas inéditos y versiones alternativas.

La cuestión es que este tema ni siquiera es de Aerosmith, si no, de la banda que Steven Tyler, Steven Tallarico en ese momento, integraba antes de aero. La banda se llamaba "The Chain Reaction".

Existió entre 1964 y 1970. Grabaron 2 simples, 4 temas y listo. Mas adelante compartirían una fecha con una banda llamada "The Jam Band" donde tocaban Joe Perry y el bajista Tom Hamilton. A Tyler le fascinó el sonido de la banda y propuso una unión de ambas con una única condición; Steven tocaba la batería y metía algunas voces en Chain Reaction pero acá pidió ser el vocalista principal y frontman. Los demás aceptaron la propuesta y ese fue el nacimiento de Aerosmith.

Yo conocí a Aerosmith como banda activa en los 90, nunca imaginé que sus origines se recontarían a 1964. Este tema lo comprueba y muy bien. Temazo.
Aca les dejo los otros temas de la banda.

Enminido

Se acuerdan de esta canción?

Dice:

"Viento dile a la lluvia

que quiero volar y volar

hace más de una semana

que estoy en mi nido

sin poder volar."

Yo esta canción la escuché miles de veces. Mi viejo harto admirador y amigo de Litto Nebbia. Creo que la debo haber escuchado mas tocada por mi viejo que por el propio Litto. En fin, cuando era pibe, yo entendía que el tipo estaba "enminido" como compungido, introvertido, triste, porque no podía salir a volar con su compañera hacia una semana. Toda la vida creí que "enminido" era una palabra. De bastante grande reaccioné que era un pájaro que estaba en su nido porque en realidad, la única palabra que da cuenta que es un pájaro el que canta (que maestro Litto, hacer cantar a un pájaro...), es "nido". Podría ser tranquilamente un tipo hablando del viento, la lluvia y de estar con su compañera. Y yo, al haber contraído la frase y eliminar la palabra "nido" ni me percataba de que el relato era de un ave en primera persona. No entendía que estaba en SU nido y no podía salir. Además, dicho sea de paso, podría haber aprovechado el pájaro no? qué mas lindo para cualquiera que quedarse en el nido con su compañerx todo acurrucados en esos días de viento y lluvia? Se ve que no se la fumaba mucho el pájaro a la compañera...

Suena la palabra o no? "Qué te pasa que tenes esa cara?" "Estoy enminido, no me jodas...". Además funciona metafóricamente; como que cuando estas reflexivo, introspectivo, de alguna manera, estas en tu nido, estas en tu espacio interior, estas enminido.

La voy a proponer a la RAE a ver que onda.

Enminido, da
1. adj. Dado a la enminición.
2. adj. Reflexivo, introspectivo.
3. adj. Triste, nostálgico, que recuerda con añoranza.
4. adj. Con deseo o sueño que no se ha de concretar.

Bandas con nombres de Canciones

Buenas, les traigo un extracto de este interesante articulo de NME donde cuentan la historia detrás de varios nombres de bandas que se eligieron a partir de una canción de otro artista, acá les resalto los mas importantes.


Rolling Sotnes / Muddy Waters - Rollin Stone


Radiohead / Talking Heads - Radio Head

Noel Gallagher's High Flying Birds / Jefferson Airplane - High Flying Bird


Jet / Paul McCartney & Wings - Jet

Judas Priest / Bob Dylan - The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest

Motörhead / Hawkwind - Motorhead