Se nos va 2015. Un año bastante prolifero en lo que al rock under se refiere. Si bien las bandas vienen laburando hace rato, este año en particular hubo mucha movida, muchos discos, muchos sellos, muchas fechas compartidas y muchos espacios culturales que dan lugar al arte y la expresión de todos. Por eso, en conmemoración de la gestión independiente, la resistencia y la promoción de la cultura underground, elegí las 17 bandas que para mi mejor representan todo lo sucedido a nivel cultural independiente este año tan raro.
Así que aquí están, primero las 3 que para mi son las mejores, después las demás, que no tienen ningún orden particular.
Sugiero simplemente escuchar y sobretodo y más importante IR A VER A LAS BANDAS! por dos razones fundamentales; una es que, con las posibilidades tecnológicas de hoy, grabar un disco es muy fácil y prácticamente gratis, pero es en el vivo donde la banda realmente muestra lo que es. Segundo; apoyar la cultura independiente, a los artistas y a los espacios que les dan la posibilidad. Y un tercer ítem agregado al pasar, romper con el mainstream de los medios dominantes que nos imponen y deciden cual es la música actual.
El otro día estaba en la disquería y apareció un grupo de franceses acompañados por una adorable chilena. Claudia me cuenta que hace un tiempo es manager de Catfish "una banda francesa de blues rock" me dice. Ya de entrada pensé "... franceses haciendo blues...no se...". A continuación me presenta con la banda, que no es banda sino dúo. Conformado por Amandine Guinchard y Damien Felix. "Ella toca la batería y el toca la batería y la guitarra..." cada vez entendía menos, pero al mismo tiempo resultaba aun más interesante. Todos muy amables, sencillos y cordiales, me invitaron al show que dieron ayer en la Trastienda en San Telmo. Y ahí lo entendí todo.
Básicamente éste es un dúo de guitarra y batería, pero no es lo que te imaginás. La batería esta partida en dos, a saber: El set de ella consta de la chancha, el redoblante, un crash y un ride. Toca parada, canta (muy bien) y tiene un sintetizador minimoog analógico al costadito ahí. El set de él consta de bombo, hi-hat, sus guitarras Gretsch, efectos y amplificador, tabla de lavar, pandereta y un mic para cantar que, a diferencia del de ella, suena todo distorsionado... ahora vamos al sonido.
Como siempre en la vida, cuanto más simple más bello. Tan solo dos instrumentos, bien distribuidos y una voz clavada en el centro, de alguna manera, potencian el poder de esta banda.
Es realmente impresionante como dos personas pueden sonar tanto con tan poco. La clave esta en la división de las tareas: No es que hay un baterista que lleva el ritmo y el guitarrista que lleva la armonía y cada uno por su lado. Acá los galos expanden el espectro al distribuir la sección rítmica. Genera una especie de stereo energético que te pasa por encima.
Tener que fusionarse y complementar "un solo baterista" entre los dos, él los pies, ella las manos, de alguna manera, empuja mucho más.
Los temas son simples, cortos y efectivos. Un riff de base, con bombo en negras y para adelante. La voz de ella es impecable. Recuerda a Alison Mosshart, cantante de The Kills, que ahora es la cantante de The Dead Weather, banda donde Jack White (ex White Stripes) toca la batería. Todo tiene que ver con todo.
El estilo es neo folk blues retro pero que suena mas a banda de sonido de Tarantino que a blues, ya sea el original o el mas cuadrado de los 60 en adelante, con distorsiones y reverberancias más comunes en el surf rock que en el blues tradicional. Sin embargo el arpegito y la patita marcando el tempo, típico estilo de los campos de algodón, siempre están ahí como debe ser. El estilo de Damien en guitarra es ese, arpegio, riff, slide y mucha distorsión. Me recuerda a Seasick Steve, un americano productor de blues que recién a sus 63 años en 2004 sacó su primer disco, época donde este estilo estaba resurgiendo.
Damien también toca la armónica y lo hace muy bien. Le saca el sonido de tren perfectamente con mucha onda. De hecho, uno de los mejores momentos del show fue cuando tocaron un tema donde él hacia la base con la armónica y su talón derecho mientras ella cantaba encima.
De cualquier manera Catfish es una banda moderna con color vintage que demuestran ya desde su estética; patillas y tiradores para él, rodete y vestidito para ella. A veces llega a tener pasajes mas cerca de Eurythmics que de Albert Collins. La clave es la suma de sonidos de sintetizador con bombo en negras, formula base del dance y garantía de pista al mango. Es muy interesante ver como pueden ir de un lado al otro en tan solo 50 compactos minutos de show.
La gira que los trajo a Buenos Aires pasó por Vietnam, Colombia y ahora se dirigen a Rosario, y terminan en Córdoba antes de volver a su Francia natal donde supongo retomaran labores de estudio pues a lo que conciertos respecta, recién están anunciados para mayo.
Con tan solo dos años de existencia ya recorrieron toda Europa y grabaron 2 EPs y un LP que acá les dejo para escuchar.
Realmente muy recomendable banda, son buenos, los temas están buenos, ellos son buena onda y demuestran que se puede hacer mucho con muy poco.
Gracias por la invitación!
El viernes 13/11/2015 en la sala Le Bataclan de París, tres terroristas armados entraron al concierto de Eagles of Death Metal y se hicieron con la vida de 89 personas.
Definitivamente un hecho que quedará pegado a la historia de la banda para siempre y que, para el publico en general, será difícil de desvincular. Además de la poca información decente que los medios masivos de comunicación brindan al respecto.
Así que la idea aquí es conocer mejor a esta excelente banda que existe hace mucho antes que un par de días.
Hablando mal y pronto podemos decir que Eagles of Death Metal es el proyecto "paralelo" de Josh Homme (a la derecha en la foto), guitarrista y líder de la excelente banda Queens of the Stone Age, junto a su amigo de toda la vida Jesse Hughes. Pero a medida que nos vayamos adentrando en esta historia vamos a descubrir que para Homme (se pronuncia Jomi) no es simplemente una banda paralela, al lado de su banda principal. Es algo mucho mas profundo que eso. De hecho él mismo reconoce que tiene "esquizofrenia musical" y que ésta es la banda de una de sus personalidades. De cualquier manera nos vamos a concentrar principalmente, en una especie de biografía, en el otro integrante de la banda: el Diablo, el Reverendo, Boots Electric, cualquiera de estos seudónimos es correcto para referirse al cerebro de los Eagles..., Jesse Everett Hughes IV (a la izquierda en la foto).
De entrada hay que aclarar que, por más que su nombre sea fácil de malinterpretar, ésta no es una banda de death metal. Por el contrario, es una banda de rock alegre y brillosa. Algo que también contrasta con el habitual stoner rock oscuro de Josh Homme. Temas rifferos y poderosos con una cuota de humor que se hace una de las características principales y más atractivas de su sonido. La forma de cantar de Jesse Hughes, adornada con armonías en falsete y otros coros mas graves, el sonido de la batería y los arreglos de percusión, de alguna manera generan una empatía muy especial y gusta de entrada. No por nada gran parte de su repertorio ha sido utilizado para comerciales, videojuegos y trailers de películas. Mucho de esto viene de la cabeza de Josh Homme que, en este caso, cumple el rol de productor, baterísta y sobretodo el rol de amigo de su mejor amigo. Más adelante entenderán por qué. Pero antes de meternos en detalles, empecemos por el principio.
Comercial de Nike con musica de EoDM dirigido por Guy Ritchie
La historia de Eagles of Death Metal se remonta a finales de los 80 cuando dos jóvenes, Joshua Homme y Jesse Hughes se hacen amigos en la secundaria en el Palm Desert de California. En realidad eran buenos conocidos desde la primaria "creo que porque eramos los únicos colorados en el desierto" dice Hughes (se pronuncia Jiugs). La historia cuenta que Homme defendió a Hughes mientras otro pibe lo estaba molestando, así se hicieron amigos. En ese mismo momento Homme bautizaría a Hughes como "el Diablo". Apodo que le quedaría para siempre porque, cuando éste se vengaba de los pibes que lo jodían, lo hacía en serio, entonces el otro le decía "sos el diablo man...".
Jesse Hughes nació en 1972 en Carolina del Sur. Cuando tenia 7 años sus padres se divorciaron por repetidos episodios de abuso y violencia del padre hacia su madre y hacia él. Entonces la señora tomó a si hijo y se mudaron a Palm Dessert en California. Para el pequeño Jesse todo era muy confuso y angustiante; el divorcio de sus padres, pensar que su padre era una mierda y tener que recomenzar su vida en otra ciudad.
Toda su niñez y adolescencia la pasó bastante mal. Su primer instrumento fue una flauta, porque su madre no quiso comprarle una guitarra que pudiera molestar a los vecinos en el nuevo barrio. Todo muy frustrante. El gusto por la música lo heredó de su padre que era guitarrista de rock. Pero a lo poco que podía aspirar el joven Jesse en esa época era a cantar en el coro de la iglesia que, según su madre, lo hacia bastante bien hasta que le cambio la voz. (si como en ese capítulo de los Simpson).
Durante la secundaria la pasó peor. Era el gil inteligente al que todos jodían. De hecho el apodo "Boots Electric" viene de una historia de esta época cuando los skaters solían llamar a los pibes que andaban en patines en linea "fruitbooters" como una forma despectiva con acusaciones homosexuales. Como que el que andaba en patines era maricón y los que andaban en skate eran machos. Así que al pobre Jesse, que era victima de bullying y le gustaba andar en patines, le quedó ese apodo "Fruit Boots" hasta que muchos años después Josh Homme dijo que ya era hora de que tuviera un mejor apodo, así que lo bautizó "Boots Electric". Éste seria el nombre artístico que usaría hasta el día de hoy.
No estaba metido en la música aunque si le gustaba mucho. Le interesaba la iglesia y las cuestiones políticas republicanas. Fue caddy de Telly Savalas y una vez para Richard Nixon. El rock y la guitarra no eran parte ni de la imaginación de este pibe en ese momento.
Joshua Michael Homme nació en Joshua Tree, California en el año 1973, y creció junto a su numerosa familia en Palm Desert, California. Todos los veranos la familia emprendía un viaje a la casa de una tía en los bosques alrededor de Sandpoint, Idaho y en el stereo sonaban casetes de Kenny Rogers, Dolly Parton y Jackson Browne, con sus historias de cocaína y la vida de rock grabadas en habitaciones de hotel y los buses de gira. Pasaban todo el verano en Idaho, donde todos los años se hacia el festival de música local. Un año fue Carl Perkins y el joven Josh aprendió algo acerca de un lugar llamado Sun Records. Esas fueron las primeras experiencias que llevaron al pibe de 9 años a querer tocar la guitarra, después de que sus padres le negaran una batería. Formó su primer banda a los 12, Autocracy (1985).
Cuando eran adolescentes conocieron a un joven rockero llamado Mario Lalli quien abría su casa a todo el mundo que quisiera enchufar y tocar. Lalli tenia una banda que se llamaba Fatso Jetson que fue la piedra fundamental de la escena del desierto californiano de fines de los 80 junto con Black Flag y el sello SST. "Para mi es San Mario" dice Homme "simplemente creía en el ideal de que vos podías hacerlo solo y que debía ser original".
Hacían fiestas en los cañones del desierto bajo las narices de los padres y la policía. Lalli ponía su generador eléctrico y a joder. Las primeras presentaciones de Kyuss, la primer banda seria de Homme a sus 14 años, fueron en estas fiestas del desierto. Hughes, fiel amigo, siempre estaba ahí, más tranquilo y sin tocar.
Luego de la secundaria Homme se dedicaría de lleno a la música y tocaría con Kyuss entre 1987 y 1995. Grabaron 5 discos que son considerados las raíces del stoner rock. Con afinaciones bajas y sonidos oscuros.
Mientras tanto Hughes era un tipo totalmente distinto. Estudió periodismo en la universidad y quería ser político republicano. Un conservador, era periodista amateur para el periódico local, escribía discursos para el partido republicano y no tenia en mente ser un rockero.
Kyuss se disolvió en 1995 y Homme, luego de pasar por varias bandas, formaría la que sería su proyecto fundamental con el cual ganó reconocimiento mundial, Queens of the Stone Age en 1997. Sin dudas una de las mejores bandas que nos dio Estados Unidos y que hoy en día, luego de varios cambios en la formación, sigue bien arriba en el podio mundial. Sobreviviendo al grunge y al brit pop incluyendo sus secuelas del nuevo milenio.
Paralelamente Hughes vivia en el universo opuesto. Gordo deprimido con sobrepeso, trabajaba en un videoclub. Fiel a sus raices republicanas y católicas, se casó y tuvo un hijo (a quien adora e identifica como influencia y razón principal del primer disco de EoDM).
Casi al mismo tiempo que la formacion de QotSA, Homme empezó a desarrollar un proyecto musical mas amplio al que bautizó The Dessert Sessions. Consistía en zapadas que involucraban a todos los músicos de la escena del Palm Dessert, como por ejemplo sus ex compañeros de Kyuss y algunos miembros de Soundgarden. La idea era conocerse entre si, probar material y todo eso se iba grabando. Por supuesto, su amigo Jesse Hughes era parte de la movida.
En algun momento de toda esa historia aparece el nombre de la banda, que nació antes que la propia banda; "Eagles of Death Metal". Hay dos versiones respecto a de dónde sale este nombre tan particular. Una dice que un amigo de Hughes le estaba mostrando a Homme un tema de una banda polaca de death metal llamada Vader. Al escuchar Homme pregunto "qué es esto?" "death metal" le respondieron y él dijo "parecen los Eagles del death metal..." refiriéndose a la banda Eagles y no al animal. Como que era una mezcla de algo muy suave con algo muy pesado. En fin, esa es una.
La otra, contada por el mismo Hughes en éste video (que a mi me suena medio chamuyo, pero bueno, sale de la boca de uno de los fundadores de la banda) dice que estaban en un bar con Josh y había un loco bailando al ritmo de Wind of Change de Scorpions, que es un tema bastante tranquilo como para sacarse tanto. Entonces uno le dijo al otro "eso es rock" y el otro le dice "no es rock, es metal" y el otro le dice "es death metal" y los dos dijeron "son los Eagles del death metal" y bueno ahí la historia. Me quedo con la primera. De cualquier manera es un nombre excelente que apareceria como tal por primera vez en el disco Volumen 3 y 4 de las Dessert Sessions donde ésta banda conformada por Jesse 'The Devil' Hughes, Loo Balls, Carlo Von Sexron (uno de los apodos de Josh Homme), Craig Armstrong (bajista) y T. Fresh tocaron The Gosso King of Crater Lake, Hogleg y "You Keep On Talkin'". Esa sería la semilla fundamental de la banda que germinaría recién para el año 2003.
En el medio Queens of the Stone Age sacaría 3 discos; "Queens of the Stone Age" (1998), "Rated R" (2000) y "Songs for the Deaf" (2002). Siendo éste último la catapulta hacia el mainstream y el reconocimiento mundial con los hits No One Knows, First It Giveth y Go with the Flow. Es un álbum conceptual en dos aspectos; primero que el título ya es controversial y paradójico "Canciones para sordos". De hecho el disco empieza con un track 0 que la mayoría de reproductores de cd obviaban que se llama The Real Song for the Deaf (La verdadera canción para sordos) y es básicamente una secuencia de sonidos filtrados muy graves bien interesante. Da la sensación de tener algún problema auditivo. Por otro lado el concepto es un viaje en auto a través de California entre Los Ángeles y Joshua Tree sintonizando las radios locales, por eso se escuchan presentadores en el medio de los temas. Ademas es el único disco que tiene a Dave Grohl en batería.
En el mundo Hughes las cosas no iban tan bien. Repetidos conflictos con la mujer derivan finalmente en los tramites de divorcio en el año 2003, a sus 30 años. Paradójicamente su matrimonio católico no funcionó. Lo único que existía en ese momento para Hughes era dios y su hijo y solo se preocupada de demostrarle amor al pequeño. Así fue que comenzó a entretenerlo con canciones básicas en guitarra. Un día finalmente se divorció, se afeitó la barba ZZ Top que tenía, se dejó el bigote, empezó a hacer rock, bajó de peso, empezó a tomar drogas y voila: Se convirtió en el estereotipo de rockstar que es y que le sienta muy bien. De hecho el tema Shit, Goddam del primer disco, habla de como de un dia para el otro las mujeres le caian y no paraba de joder. Igual sigue siendo republicano y conservador con las licencias del rock.
En una entrevista le preguntaron como es que pasó de trabajar en politica a convertirse en un rockstar: "Me rendí. Yo digo, haz lo que sea necesario para mantener el status quo de las cosas y busca una manera de hacerlo en la oscuridad. Tenés que estar listo para la llamada y cuando suene tenés que atender. Tené cuidado porque si llamas al diablo puede aparecer. Un día me desperté con un bigote, botas de cuero, un par de guantes y una capa. No tengo idea de donde salieron"
El primero de enero de 2004 Josh fue a la casa de Jesse a ver como andaba con el tema del divorcio y escuchó I Only Want You (tema que abre el primer disco de la banda) y le dijo "Wow! tenés más temas así?" Hughes escribió el disco en una semana, se fueron a Hollywood y en 3 dias grabaron "Peace, Love and Death Metal". Un disco power muy agradable grabado íntegramente por Hughes y Homme ambos en batería y solo Hughes en guitarra y voces.
Hay una característica muy interesante en éste disco y en los sucesivos, el sonido de la batería. Esta tomada de aire a una ganancia muy alta, luego comprimida y sampleada superpuesta en 64 tracks. Todo ese pastiche le da un sonido lo-fi muy copado que ahora se trata de imitar, esto es puro.
Hughes dice algo sobre el secreto de la banda que me toca personalmente como baterísta que le gusta tocar la guitarra y que me hace acordar a algo que una vez me dijo mi primo Damian, eximio pianista de jazz, que una vez me reconció que quería tomar clases de batería. Que si todos los músicos melódicos entendieran mejor como interpretar el ritmo en sus propios instrumentos, serian mejores y entenderían mejor la música. Mi caso es opuesto pero lo entiendo igual. Yo toco la guitarra como toco la batería, hago rulos con mi mano derecha y marco el ritmo con la izquierda. Hughes lo piensa de la misma manera y un ejemplo de esto es el tema The Deuce (del último disco "Zipper Down") donde él grabó todos los tracks arriba de la batería de Homme (guitarrista que toca la batería...), donde todos los golpes de los tambores son acentuados y acompañados por alguna guitarra. Dice "cuanto más puedas meter el fluir del baterísta, tu música e instrumentación se va a sentir y sonar mejor. Y eso significa mas chicas bailando..." Es cierto. Otro guitarrista que tiene una muy buena técnica rítmica en la mano derecha así estilo baterísta es Crispian Mills de Kula Shaker.
El primer concierto de Eagles of Death Metal fue un desastre. El baterísta no llegó y Hughes tuvo que usar una maquina que no sabia usar. Alguien del publico le gritó "puto!" y él le respondió "que me quieras coger no me hace puto a mi" touché. El próximo concierto de EoDM sería ante 5000 personas abriendo para Placebo. Tranqui. También han tocado para 12 personas, o para cero, pero Hughes no se preocupa, dice que esta banda es rara, o en realidad, algo diabólico porque dice que no hizo nada para estar ahí.
La dinámica de laburo de la banda es la siguiente: Hughes escribe todos los temas, riffs y letras, graba unos demitos así nomas y se los da a Homme para que los arregle y produzca. Perfecto. Homme produce y toca la batería (su primer amor) y, por más que Jesse le pida, no graba ni una guitarra. Alienta a Hughes para que él lo haga aunque no se siente 1000% seguro, pero confía en su estilo y eso es básicamente el alma de EoDM. Obviamente Hughes esta en un proceso de aprendizaje permanente al lado de este monstruo de la música que es Homme y eso se ve refeljado en las grabaciones. De hecho dicen que aprendió a tocar bien la guitarra durante las primeras giras de EoDM.
Aunque para su ultimo trabajo "Zipper Down" Homme si metió algunas guitarras y bajos. Es entendible, no va a pasar 4 discos sin tentarse. Una vez en el estudio Hughes dice "yo grabó diez minutos y después Josh labura una hora, así que básicamente lo que hago es caminar de acá para allá". De esta manera también reconoce que lo que a él le gusta es el escenario, donde realmente es poseido por el espiritu del rock and roll.
En el año 2006 lanzan "Death by Sexy". Para mi, el mejor disco de la banda. La primer mitad del año la pasan de gira como soporte de los Strokes (Homme no participa de las giras de EoDM, si toca en algunos shows especiales de presentación de disco y demás). Durante esta gira tuvieron la chance de abrir para el reciclado Guns'N'Roses del excedido en peso Axl Rose quien se refirió a la banda como "las palomas del metal de mierda" (pigeons of shit metal) qué hicieron los muchachos? remeras con la frase.
Sucesivamente lanzarían "Heart On" en 2008, el disco mas flojo, pero no por eso malo. Paralelamente Homme sacaba con los QotSA "Lullabies to Paralyze" y "Era Vulgaris" y en el año 2009, luego de casi morir en una operación de rodilla, conformaría uno de los grupos mas interesantes de la última era Them Crooked Vultures, junto al bajista John Paul Jones (Led Zeppelin) y Dave Grohl (Nirvana) en batería. Espectacular disco sacaron ese año.
Por el lado de EoDM las cosas no iban sobre ruedas, en el año 2010 el bajista de vivo Brian O'Connor sería diagnosticado con cáncer y Homme junto a Jones y Grohl harían un concierto en su beneficio en el O2 Arena de Londres. Mientras tanto Hughes estaba a punto de entrar en una de las etapas más oscuras de su vida que aun persiste; su mujer denunciaría supuestos episodios de violencia que derivarían en ordenes de restricción para la visita de su hijo.
Éste es el dolor mas grande y la razón por la cual éste hombre hace todo lo que hace. Al día de hoy su mujer no le permite ver a su hijo. El pensó que con su carrera de rocanrol equilibrada con su devoción a Dios iba a poder demostrar estabilidad y recuperarlo pero no, su ex mujer aun no deja verlo. Esta es, como él dice, la canción que aun no ha escrito pero que por ahí ya debería.
Por esto es que Eagles of Death Metal es mucho más que una banda de rock cualquiera que podría ubicarse en algún lugar entre los Stones y Kiss haciendo punk folk. Esta es una historia de amistad verdadera, de amor fraternal, de angustia, de malos ejemplos, de presiones de la vida, de la familia, de la incapacidad de un tipo de ser el padre que no tuvo porque no lo dejan, y un amigo que nunca jamas lo va a dejar caer.
Incluso durante las grabaciones de Death by Sexy Homme metió a Hughes en rehabilitación de drogas porque se estaba pasando, casi al borde de la muerte. Él dice que su amigo le salvo la vida.
Respecto de la amistad entre ambos Hughes, jodiendo, dice "Crecimos en la meca gay del mundo. Conocemos muy bien los arquetipos y no nos importa un carajo. Si no nos gustasen las mujeres, seriamos la mejor pareja gay de Hollywood"
Del otro lado de la moneda la cara bizarra, el rock and roll americano en su forma mas exuberante. Un rockero red neck bigotudo republicano que al sexo, drogas y rocanrol le suma armas, dios y Ronald Reagan en un cóctel que resulta en la explosion que tienen los shows de la banda donde el Diablo se hace presente.
Como diría Dolina "todo lo que uno hace es por las mujeres" y este tipo es el perfecto ejemplo de eso: "Amo a las mujeres y creo que se ven mejor cuando están bailando. El truco consiste en tocar música que sea power y bailable a la vez. Así que los chabones se agitan y las mujeres se descontrolan en los shows. Eso es todo lo que busco, el viejo y buen rock'n'roll". Y no solo se refiere a las mujeres como objeto sexual "Fui criado por mi madre, ella es el mayor ejemplo de mujer. Por eso las admiro y alabo tanto. Cuando toco quiero celebrar su fuerza y belleza y hacer algo para que la pasen bien." Ademas su madre escuchaba mucho funk, Parliament, Funkadelic, y bailaban juntos cuando era chico. Si bien su música no muestra una influencia funk concreta, si se nota el groove, el movimiento, la buena onda que tiene el funk.
En el año 2011 aprovechando el parate que provocaron estas vicisitudes, Hughes lanzó su primer disco solista como Boots Electric "Honkey Kong". Posteriormente conocería a su actual novia y bajista fija de su banda solista, la ex estrella porno "Tuesday Cross". Marina Cárdenas nació el 6 de Julio de 1987 (15 años después que su novio) en Houston, Texas. De origen latino comenzó su carrera como actriz porno a sus 21 años. Hizo muchas películas para importantes compañías y posó desnuda para varias revistas masculinas. Siempre fue música; fue bajista del grupo Tight, que eran todas mujeres, tocó en una banda de metal Hear Kitty Kitty, y desde que conoció a Hughes en una fiesta, toca con él y se retiró del porno. El dice como que ambos se rescataron el uno al otro y que es la primera vez que sale con alguien igual a él. Son como Bonnie y Clyde, inseparables desde el primer día.
En el año 2013 Eagles... comenzarían a grabar su último disco "Zipper Down". Tres temas de este disco están en el disco de Boots Electric: el corte Complexity, I Love You All the Time y Oh Girl. La grabación de éste disco fue ademas registrada en video y lanzado como documental este año via Itunes con produccion de Vice. "The Redemption of The Devil" cuenta la contrastante historia de este personaje, mientras graba su ultimo disco.
Defensor de las armas y la "libertad", tenia un plan para ser presidente y aun lo considera para 2016. Obispo de la orden de San Francisco, comenzó su programa de radio religioso a través de internet desde su casa. Fanático de Elvis, por sus comienzos gospel, dice que su expresión en el escenario no tiene nada que ver con su servicio a dios. Ese mismo año tuvo la chance de casar a su primera pareja.
El disco saldría finalmente a la luz en octubre de 2015 con un muy divertido video para Complexity y con gran aceptación de la critica y el público. Es un muy buen disco, más armado y profesional que los anteriores pero que no pierde la frescura y buena onda característica de la banda.
La gira de "Zipper Down" iba a ser una de las mas extensas de la banda. Los llevaría a tocar en Estados Unidos entre agosto y octubre antes de dirigirse hacia Europa para presentarse en el Reino Unido, Irlanda, Francia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Noruega, Polonia, Hungría, Italia y España. Incluso están anunciados para el Lollapaloza Argentina 2016 pero la gira fue suspendida hasta nuevo aviso por los trágicos episodios del 13 de noviembre en la sala Le Bataclan de París.
Así que ésta es la historia detrás de la banda de un tipo que lo único que quiere es ser feliz y le cuesta un montón, atravesado por hechos trágicos durante toda su vida. Por suerte le tocó tener un amigo de fierro que, ademas, es uno de los músicos mas proliferos de nuestra era y es considerado "la última estrella de rock".
La triste historia de uno de los más salvajes y carismáticos rockstars de la actualidad que hace música a modo de escape de toda la mierda que lo rodea. Y ahí encuentra paz, confianza y felicidad. Por eso dice que, como lo que hace es robar de los mejores albumes de la historia, graba discos espectaculares.
Si no fuera republicano, seria su amigo. Salud Boots, ya vendrán tiempos mejores.
Toda la información en esta nota fué sacada de entrevistas escritas, videos, fichas técnicas, wikipedia y el documental The Redemption of The Devil.
Se fue Septiembre, bastante rápido para mi gusto, el mejor mes del año dejó varios buenos discos en el camino.
Acá les dejo 35! si, son muchos, ya se, pero no hay que escuchar todos. Recomiendo nomas ir picando y ver donde te sentís a gusto para quedarte. Los primeros que están en grande son 14 que me parecieron los mas interesantes por propuesta o trayectoria, los 21 cuadraditos de abajo son los que están buenos.
Cuando hablamos de festivales históricos de rock argentino lo primero que se nos viene a la cabeza es el "BARock". El festival, que tuvo lugar en el Velódromo de Palermo durante 5 jornadas no consecutivas en Noviembre de 1970, fue organizado por Daniel Ripoll y Oscar López, quienes eran editores de la reciente revista Pelo. Los actos destacados fueron Los Gatos, Manal, Almendra, Vox Dei, Moris, Pajarito Zaguri, Arco Iris y Alma y Vida. Oscar López luego fundaría el sello Sazam Records que editó varios clásicos del rock nacional como ser "Nayla" de David Lebon, "Música del Alma" de Charly Garcia, "Pensar en Nada" de Leon Gieco y la "Grasa de las Capitales" de Serú Giran.
Sin embargo, éste no fue el primer festival de rock al aire libre argentino. Exactamente un año antes, en Noviembre de 1969 se realizaba el festival "Pinap de la musica Beat y Pop" organizado también por Ripoll quien entonces trabajaba en la revista Pinap (predecesora de Pelo). El festival tuvo lugar durante 4 sábados en el desparecido anfiteatro "Río de la Plata" ubicado en Figueroa Alcorta y Pueyrredon, en los bosques de Palermo. Tocaron Manal, Almendra, Vox Dei, Pajarito Zaguri y la Barra de Chocolate, Litto Nebbia, Pappo y Miguel Mateos entre otros.
Pero en el medio de estos dos festivales, más exactamente el 21 de septiembre de 1970 sucedió algo de los que no muchos están al tanto; Lobos, el Woodstock que no fue.
Resulta que un reconocido actor y locutor de radio, Edgardo Suárez, quien quedaría grabado en la historia argentina para siempre por ser uno de los conductores junto a Leonardo Favio del acto de recibimiento de Juan Domingo Perón en 1973 en lo que se conocería luego como "la masacre de ezieza", tuvo la idea de hacer un festival estilo Woodstock en Lobos, provincia de Buenos Aires, tan solo un año después de aquel emblemático evento. Consiguió un terreno de 74 hectáreas ubicado a 16km de la zona urbana y empezó a hacer la convocatoria y difusión en su programa de radio. Algunos de los actos programados para el festival eran Manal, Los Gatos, Miguel Abuelo y La Cofradía de la Flor Solar.
Lo cierto es que, como sabemos, en argentina no hubo libertad plena de hacer cosas hasta la llegada de la democracia en 1983. Y cualquier tipo de convocatoria masiva, mas aun, apoyada por lo jóvenes que cada vez tenían mas fuerza y voz en todo el mundo, levantaba sospecha en los gobiernos dictatoriales. En este caso, el entonces presidente de facto Juan Carlos Ongania tenia razones para temer, teniendo como antecedente local el Cordobazo del 29 de mayo de 1969 y en el resto del mundo diversos movimientos de protesta como el histórico Mayo Francés de 1968.
Fue entonces que, mientras Suárez organizaba el festival, la policía bonaerense y los servicios de inteligencia empezaron a investigar de qué se trataba esta convocatoria y la gente que participaría de la misma.
Hace poco, la Comisión Provincial por la Memoria dio a conocer documentos desclasificados de la inteligencia de la policía de la provincia de Buenos Aires sobre la investigación y en los textos podemos ver las razones por las cuales decidieron presionar al entonces intendente de Lobos, Abel Francisco Alejandro Culela, para que no permita la realización del evento.
Dicen los textos:
"El festival sería usado como centro de fumadores de ‘hierba’ (canabis) y para poder ‘hacer viajes con la pastilla’, por lo que se infiere que tendrán los primeros casos reales del uso del LSD"
"se considera de absoluta necesidad instalar un Comando en el Paraje (...) ya que debido a la clase de personas que concurrirán a éste (‘hippies’), podrían producirse situaciones de roce"
"la realización del evento aparejaría una responsabilidad enorme para las autoridades, ya que no se cuenta con experiencias de estos festivales"
La cancelación del festival fue tan sobre la hora que varios jóvenes se acercaron igual al lugar, muchos ni se habían enterado de la suspensión. Cuando llegaron no había mas que incertidumbre. Así que se quedaron ahí, pasando el día, esperando a ver si se hacia o no, mientras tocaban la guitarra, armaban fogones y pasaban un buen día de campo con amigos. Finalmente el festival nunca sucedió y todos volvieron a casa.
La fecha se reprogramó para octubre pero también fue cancelado. Igualmente faltaría solo un mes para que "BARock" definiese el festival de rock argentino. Concepto que quedaría plasmado en la película Rock hasta que se ponga el Sol que principalmente muestra lo que fue la tercera edición del festival en 1972 junto con escenas delirantes de ficción protagonizadas por los integrantes de las bandas, por ejemplo una escena muy loca donde a Lebón le pegan unos tiros, y algunas otras filmaciones en estudios y teatros.
Una de las mejores performances que quedaron grabadas en esa película fue la pieza de sitar Raga interpretada por Claudio Gabis en estudio, grabado en vivo por Billy Bond.
Mucho mas tarde llegaría Cosquín, San Pedro, y las megamarcas comprando el rock. Pero todo eso tuvo un origen muy genuino y espontaneo que, una vez, no pudo ser, pero que no muere. Actualmente existe un festival en esta clave que se llama "Fernandez Rock" que se realiza una vez por año en Capilla del Señor. Camionetas Volskwagen, carpas, rock y buena onda.
Hay 3 tipos en el podio del rock actualmente. Muy interesante el hecho de que sean norteamericanos. El rockstar británico quedó atrás hace rato y lo último que están ofreciendo los ingleses es cada vez menos rock y más delicado...
La medalla de bronce se la lleva Dave Grohl, que tiene más merito por ser un rescatador del sonido, los artistas y la historia del rock, más que por su propia música aunque como baterísta es innegable. En el primer puesto por ser mayor (solo dos años) y tener más historia está el colorado Josh Homme. Maestro indiscutible del rock y, si bien, no podemos decir que haya "inventado" el Stoner Rock, fue el tipo que lo puso a la altura del estilo en general y lo convirtió en una pata mas del rock mainstream.
Jack White es un intermedio de estos dos, por eso lo pongo en el puesto plateado. Tiene algo de los dos; es increíblemente prolifero como músico y compositor pero también tiene un lado que va más por rescatar todo lo que el rock genera fuera de la música. Hace 15 años fundó su propio estudio de grabación y sello discográfico Third Man Records que tiene una impronta de recuperar lo analógico, no solo en cuanto al sonido, si no en cuanto a las personas. Nosotros somos analógicos por naturaleza. Pero nos estamos digitalizando y esos nos des-sociabiliza en situaciones que nunca te hubieras imaginado. Por ejemplo, hoy sale el nuevo disco de tu banda favorita; entras en tu aplicación de música y con un "tap" (porque el "click" ya quedó viejo...) lo comprás y lo tenés instantáneamente en tu dispositivo y listo. Sin consultar, sin averiguar, sin ni siquiera sentir lo áspero del dinero en tus manos cuando lo estas pagando. Antes vos ibas a la disquería a buscar el disco de tu banda favorita y ya de entrada tenias contacto con el disquero. Por ahí, escuchaban un poco el disco, hablaban del anterior, de las influencias de "si te gusta éste, no podes perderte éste...", te cruzabas con alguien en el local que se sumaba a la charla y por ahí se convertía en el próximo bajista de tu banda, que se yo, cualquier cosa. Lo que digo es que lo lindo de las cosas que nos gustan es lo que generan al rededor de eso mismo. Uno pude escuchar el disco en su casa y todo bien, pero lo lindo es ir al recital a escuchar ese disco, salir con amigos, comer una pizza y compartir con gente que le pasa lo mismo que a uno. Esto es lo que este tipo viene a rescatar, este es el "artista" en Jack White, un tipo que define el concepto del rock, más que de la música.
Third Man Records imprime solo vinilos, de artistas que produce y reediciones, por ejemplo, de perdidos iconos del blues. Incluso tienen un camión disquería rodante que cuenta con un sonido de 8 canales para hacer conciertos en donde sea. Lo más interesante de todo esto es que este "artista" del rock trabaja todo lo que va por fuera de la música, en función de la propia música. Es como cuando me explicaron hace muchos años que las computadoras Apple eran mejores que las PCs porque el software y el hardware eran diseñados por la misma gente uno en función del otro, por eso andaban mejor. Quiero decir, no hay megacorporaciones que trabajan igual para todos los géneros que explotan, acá todo lo que está fuera de la música es para hacer que el rock sea lo mas genuino posible. Todo con un estilo que hace a White y su Third Man Records una especie de fabrica de chocolate de Willy Wonka.
The Dead Weather es la tercera banda de White, mas allá de su carrera solista. Formada en 2009 el grupo acaba de sacar su tercer disco "Dodge & Burn".
Todo comenzó como una desgracia con suerte cuando en 2008 The Racounters estaban tocando en Memphis, Tennessee y Jack se quedó sin voz, asi que invitó a Alison Mosshart de The Kills, con quienes estaban de gira, para que lo banque en algunas canciones. Despues también orgánicamente se sumarían Jack Lawrence, otro de Racounters, y Dean Fertita de Queens of the Stone Age. Un detalle acá es que White toca la batería, le parecía redundante armar otra banda donde tocara la guitarra y quiso reencontrarse con su primer amor, la bata. Casi instantáneamente a su formación sacaron dos discos "Horehound" en 2009 y "Sea of Cowards" en 2010. Los dos bastante oscuros pero con un sonido y una potencia muy clara y moderna mas allá de sonar vintage.
El disco arranca y lo primero que uno dice es Zeppelin. Pero no lo digo en el sentido esto ya se ha escuchado. Lo digo bien, porque tocar como Zeppelin y hacer sonar como Zeppelin no es para cualquiera y esto suena bien, clásico y moderno. Algo así como la banda de sonido de Kill Bill. Bastante fiel a la onda de los dos discos anteriores, pero parece menos oscuro.
El sonido en general se caracteriza por tener un bajo bien gordo de ataque y una batería bien abierta, guitarras al menos triplicadas y la voz que parece filtrada por un tocadiscos.
El bombo de Let me Through ya vale el disco entero, tiene aire, alma. Sin embargo el estilo es difícil de describir porque es como si fuera una banda beat de los 60 pero con cierta oscuridad y algunos pasajes hasta hip hoperos. La intro vampiresca de Open Up ya es augurio de temazo, espectacular, la cuota Stoner del disco. No por nada fue el primer single.
Es increíble como va evolucionando el sonido del redoblante en el disco. Se nota que White es el baterísta y productor. Porque arranca con un sonido mas bien de rock clásico, sin tanto armónico con mucha bordona y mientras va corriendo el disco se va poniendo cada vez mas picante, ejemplo de esto es la primer parte de Mile Markers aunque el sonido del redoblante vuelve a la "normalidad" en la mitad del mismo tema! nunca escuché algo así.
El ultimo tema, Impossible Winner es la única "balada" del disco, lo menos oscuro. Sin embargo tiene la misma tensión y poder que cruza todo el disco y como cierre no puede ser mas perfecto.
Buen disco. No tiene mucha profundidad, digo, no hay mucho que analizar. Es un disco bueno para escuchar, es bandera del rock moderno. Vale mucho la pena aunque reconozco que no es para todos.
Hace un tiempo salió por todos lados que Keith Richards había dicho que el álbum "Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" de los Beatles era una mierda. Obviamente, como es de costumbre en esta era, los dichos del guitarrista fueron victimas de la velocidad de la viralización y la exageración tendenciosa que hace que nadie se detenga a investigar cuál es el origen y el contexto de esos dichos. Pero, a quién le importa no? La bomba de Richards, seguir con la batalla Beatles Vs. Stones a cualquier costo, es lo que quieren los medios hoy en día. Tener algo que mostrar para que la gente consuma ciegamente.
Lo cierto es que lo dicho por Keith fue parte de una extensa entrevista dada a la revista americana Esquire en función de la promoción de su nuevo disco solista "Crosseyed Heart", que estoy escuchando ahora, mientras traduzco las partes más interesantes de la entrevista para que ustedes puedan entender por qué el septuagenario guitarrista dijo lo que dijo.
E: Cómo llevas la gira de los Stones?
K: Me banco el show. En los sesenta eran 20 minutos, entrabas y salias. Ahora son 2 horas! Pero no termino tan cansado como hace 10 años porque aprendí cómo llevar el show. No pienso en la cuestión física, solo espero que todo funcione bien y listo. He sido bendecido físicamente con mucho aguante, el cuadro todavía se sostiene. Como lo que comí siempre, carne y papas básicamente, y un poco de pescado de vez en cuando. Mi esposa trata de hacerme comer ensalada... prefiero tomar pastillas.
E: Todavía sentís la adrenalina en el escenario?
K: Por supuesto. Probablemente sea la única droga que nos queda. La que nos saca como cualquier otra. Aunque hay algo acerca de tocar con estos chabones... Será el habito? Es el tiempo que lo venimos haciendo? Pero cuando empezamos a ensayar el entusiasmo de todos esta ahí, especialmente en este tour. Se sintió genial desde el primer show.
E: Estuve pensando en "Rubber Soul", "Revolver", "Sgt. Peppers" y el "Álbum Blanco", y escuchando "Beggars Banquet", "Let It Bleed", "Sticky Fingers", y "Exile on Main St." durante los últimos 20 años. Escuchando esos Stones mucho mas seguido...
K: No, entiendo. Los Beatles sonaban bárbaro cuando eran los Beatles. Pero no hay raíces en esa música. Me parece que se dejaron llevar, por qué no? Si hubieras sido los Beatles en los sesenta, te hubieras dejado llevar, te hubieras olvidado lo que querías hacer y empezas a hacer Sgt. Peppers... Mucha gente piensa que es una genialidad pero yo pienso que es un rejunte de basura, un poco como Satanic Majesties. "Si ustedes pueden hacer un montón de mierda, nosotros también."
E: Dijiste que el poder del Blues te voló la mente cuando eras un niño, y eso no cambió.
K: No. Reconozco el poder cuando lo veo. Y hay algo increíblemente poderoso en el blues, el blues crudo; no existe una pieza en toda la música popular que hayas escuchado que no haya sido influenciada en alguna forma por el blues. Inclusive el jingle mas absurdo o rap. Todo está influenciado por el blues. Creo que probablemente es la forma de música original del mundo.
E: Es loco que después de tantos años tu leyenda tiene una existencia absolutamente separada de tu música.
K: Lo se. Es bizarro. Probablemente soy mas conocido por mi imagen que por mi música. Me acostumbré. Es como un grillete que llevas y es un tipo que tal vez eras hace 25 años, pero siempre está ahí.
E: Dijiste varias veces que volverias a pagar el precio y te creo.
K: Por supuesto, valió la pena. Convertirme en músico era mi sueño, ser parte de una banda, aunque sea tocando una guitarra en el fondo. No me hubiera importado ser un músico de costado, pero las cosas fueron de otra manera. Tal vez por el corte de pelo, no se...
El disco es puro folk blues. Muy tranquilo, muy asentado. Se siente como esos muebles de madera antiguos que están super firmes, armadísimos, que no se rompen con nada, perfectamente diseñados y recontra curtidos. Realmente se siente la experiencia de Keith en el sonido. No solo de su espectacular voz, si no de las guitarras, los pianos, la bata, todo.
Es genial como arranca el disco con el tema que da nombre al mismo. Un bluesecito de Keith solo que termina con una frase que dice algo así como "bueno, tengo hasta ahí." genial.
El primer tema Stone del disco es Trouble. Clásico guitarrístico de Keith. No por nada fue el corte de difusión. Supongo que por asociación directa no? Un Stone aunque solo, tiene que sonar Stone. Pero el resto del disco es mas bien folk. De hecho este tema tiene un solo de steel guitar. Sorprende con un reaggae! el tema Love Overdue. Muy bueno, la voz es rara, pero va muy bien. Blues in The Morning uno de los mejores, si no el mejor, tema del disco. Blues Rock total, con piano, saxo, mucha reverb y mucha onda. Espectacular, super bailable.
Hacia el final el disco se va poniendo mas tranquilo, reflexivo. Keith en su versión mas adulta, mas que adulto, añejo, curtido. Un tipo que vivió la vida toda y tiene mucha experiencia para contar.
Goodnight Irene es un villancico folk digno de Bob Dylan, muy bueno el toque y la voz.
Así que así está Keith a los 71 años, sacando discos, sonriente y mas curtido que nunca.
Hace un tiempo me definí como músico de zapada. Encuentro en el hecho de tocar espontáneamente el verdadero goce y disfrute de la música. Es cierto que cuando uno ensaya una obra y trabaja mucho sobre una misma pieza, el ensamble final y ajustado de los músicos, haciendo cada uno su parte, hace que la cosa se vaya y tome un cuerpo y estado propio. La canción, el tema nace. Pero la zapada tiene magia, esa es la principal diferencia. Que todo lo que se arma y sucede es espontaneo. Tiene que ver con lo que se siente y lo que se va construyendo. Es un circulo vicioso, una retroalimentación constante que va evolucionando en el tiempo en función de la comunicación tácita de los ejecutantes de turno, que en muchos casos, nunca se habían visto antes.
Ojo, puede salir como la mierda. Y en general, esas son las zapadas que se graban. Las mágicas, las perfectas, las que todo cierra y se abre perfecto, no. Se desvanecen, ni si quiera quedan en la memoria de los músicos. Solo queda un recuerdo sensorial de lo que experimentamos mientras sucedía la música. Lo que si pasa mucho es que alguna idea que haya salido de esa creación sea la semilla que germine un nuevo tema a desarrollar.
Todo muy lindo pero... ¿de donde viene el termino "zapar"? Porque sabemos que tiene que ver con la improvisación musical, pero no es exactamente improvisar. Implica más. Es improvisar sintiendo, llevar el clima musical, pero no tipo free jazz que tiene estructuras. Acá en el rock la única regla es vibrarla todos juntos por el mismo lugar. Y bien lo define el verbo "zapar" aunque su aplicación tiene un origen misterioso.
Si uno busca en el diccionario, el verbo "zapar" existe y encuentra esto:
zapar. 1. intr. Trabajar con la zapa (‖ pala). zapa1. (Del lat. sappa, escardillo). 1. f. Especie de pala herrada de la mitad abajo, con un corte acerado, que usan los zapadores o gastadores. 2. f. Mil. Excavación de galería subterránea o de zanja al descubierto. caminar a la ~ los sitiadores. 1. loc. verb. Mil. Avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos, o al amparo de las fortificaciones que sitian.
Analizando el significado de éste verbo "zapar", se pueden esbozar algunas especulaciones;
¿tendría algo que ver con tocar música improvisada bajo el efecto de cocaína y la "pala"? o con el hecho de estar encerrados en salas, sótanos subterráneos, por horas tocando? o tendrá alguna referencia a caminar la vereda de la estación Once de Septiembre, en la esquina de La Perla y "avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos"? o a las noches interminables de La Cueva "al amparo de las fortificaciones que sitian"?
La verdad, no lo se, pero al romanticismo de la arqueología del rock nacional, le queda hermoso.
Buceando en Internet, solo se encuentran teorías y supuestos, como ésta que me pareció muy interesante que dice que el origen del uso de la palabra zapar, aplicado a una improvisación colectiva, puede llegar a venir de la "minga", costumbre muy extendida en las zonas rurales desde la época colonial, cuando los paisanos se juntaban para ayudar a otro en la zapa de su terreno y así ayudarse mutuamente. Zapar un terreno es básicamente remover la tierra una vez hecha la cosecha y prepararla para el próximo cultivo. Lo mismo hacían cuando alguno tenía que construir un corral o algo que representara cierto esfuerzo grande: el dueño de la tierra armaba una comilona acorde a sus posibilidades y los vecinos lo ayudaban. Podemos imaginar la presencia de vino y alguna guitarra en estos encuentros. En síntesis, la zapada en el campo era un trabajo colectivo al igual que lo es en la música. Otro propone que puede venir de la similitud de la zapa con la guitarra (Argentina es un país de mucho campo y este instrumento es bastante común en todos lados). Una asociación bastante libre porque en lo único que se parecen es que ambas tiene mango.
Lo curioso es que el termino "zapar" para referirse a las juntadas de improvisación de rock, es exclusivamente argentino. En otros lugares del mundo, incluso hispano parlantes, se le dice "jam" o "jam session", como en inglés. Los cubanos le dicen "descarga" y los franceses "bœuffer" que viene de la expresión francesa "faire un boeuf" (en español "hacer una ternera"). Viene de un restaurante que se llamaba "Le boeuf sur le toit" donde se daban funciones de música improvisada. O sea que el término nace del contexto concreto de donde sucedían las zapadas. Rolando Castello Jr. baterísta del mítico Aeroblus (Pappo, Alejandro Medina) me dice que en brasil se dice "jam" como en inglés.
Buscando en la web las palabras "zapar" y "zapada" di con todas estas teorías y con algunos datos interesantes. Por ejemplo me topé con un libro del periodista español Juan Cueto llamado "'Yo nací con la infamia. La mirada vagabunda" donde hace una critica sobre la influencia cultural que implica el avance de la tecnología. En un fragmento habla del "zapping", la costumbre de cambiar rápidamente los canales de la TV sin profundizar en el contenido de los programas, solo hacer una deducción fugaz e inconsciente de lo que va el programa tomando unos pocos fotogramas como única y escueta referencia. El libro dice:
"El zapping se ha convertido en el modo habitual y civilizado de enfrentarse a la pantalla. Por eso hay que encontrar un término nacional para nombrar en nuestra lengua este acto, la nueva manera de mirar, seguramente una manera de vivir. [...] La solución podría ser "zapar", viejo verbo castellano de origen militar que equivale a excavar una zanja, es decir, a cortar un espacio, y que también suena a boicoteo (trabajo de zapa). No está mal. Pero el zapping no sólo es labor de zapa contra una cadena, desintegración de imágenes, corte de mangas contra un espacio, acto de zanjar. Sobre todo es salto, cambio frenético, mezcla de imágenes..."
Si bien lo que hace el autor es vincular dos términos solo por la similitud sonora que tienen, lo que necesita es describirlos bien para poder oponerlos y concluir que, en este caso, no son sinónimos. Pero es interesante ver si podemos relacionar lo que dice sobre el verbo original "zapar", con el acto de improvisación musical. Dice que zapar equivale a cortar un espacio. Aplica perfectamente ya que las primeras zapadas de rock las hacían los jóvenes de mediados de los 60 como parte de su personalidad de revolución cultural y "corte" de las costumbres de los "grandes". Habla de boicot; el origen del rock nacional tuvo mucho de crítica y protesta contra el sistema y la política nacional. Termina utilizando el verbo "desintegrar" que también se relaciona con la "zapada" ya que muchas de estas empiezan tocando un tema conocido o al menos su riff, melodía o base y se termina desintegrando y reconstruyendo en una música nueva. La verdad es que las profundidades del verbo "zapar" como actividad de campo, mucho tienen en común con ciertos ideales y principios de la "zapada" musical.
El primer registro oficial de éste término en la jerga del rock argentino quedó impreso en el disco "Pescado 2" de Pescado Rabioso con el tema Señorita Zapada en el año 1973. O sea que la palabra se acuñó al menos 1 año antes, durante la grabación del disco.
Lo respuesta más común que disparan muchos ante este interrogante es que viene del apellido del gran músico norteamericano Frank Vincent Zappa. Ademas todos sabemos que va con Z pero con una sola P y naturalmente, suena a Zappa, quien era un artista sumamente experimental. Puede asociarse tranquilamente, pero para estar mas seguros, consulté a algunos dinosaurios del rock a ver que data me podían aportar sobre si es un concepto campestre adoptado por los jóvenes metropolitanos de mediados de los 60 o si, efectivamente, la magia compositiva de Frank Zappa puede definir algo tan argentino como el dulce de leche.
Ric Ache, cantante de Hiperimpulso, histórico del underground. Ha compartido fechas con Sumo y Soda Stereo en el Einstein. Habitué del Parakultural, ha trabajado con los Moura en Virus. El me cuenta que escucha el término aproximadamente desde el 66 "Maso por mi edad, porque bromeábamos por el que mandaba fruta hablando que zapaba. En el jazz de los 50, que mi viejo me llevaba a ver bandas de hot jazz, no se usaba" sostiene. Sus dichos coinciden con el debut de Frank Zappa y los Mothers of Invention con el álbum "Freak Out". "En 1966 lo odiaba, me parecía un nabo. Desde Hot Rats (1969) lo escuché, me gustó la tapa". Me cuenta que recuerda claramente a Vox Dei decir en un momento de su show en el festival BARock de 1969 "este tema lo zapamos un poco". Si bien reconoce y sabe que Zappa utilizaba la improvisación como recurso creativo, no puede defender que de ahí venga la expresión "la verdad que no se de donde vino, y por mas que Zappa era término de "improvisador" o "loco" no registro que ese sea el origen".
Mi viejo, Rubén Weinstein, músico, melómano, coleccionista de rock, gran conocedor de los discos argentinos en general, participe en la gesta del rock nacional, dice que viene directamente de Frank Zappa. Que después de ensayar y tocar se quedaban "zapando" o en los bares donde frecuentaban aparecían las guitarras y se ponían a "ver que salia" entre todos. Según mis investigaciones, el primer disco, o el mas conocido acá fue Hot Rats de 1969. Es el primero que se le vino a la mente a mi viejo cuando lo consulté. Pero Chunga's Revenge (1970) fue el que instaló a Zappa en la cultura rockera argentina. Ahí tenemos varios años de diferencia. Otro dato que me aporta es que "los tangueros zapaban" pero no se acordaba bien, aunque retengan este dato porque no es menor.
Ahora, vamos a analizar la discografía de Frank Zappa hasta 1972 a ver si podemos linkear su estilo con el hecho de improvisar rock.
Como decíamos el primer disco de Frank Zappa fue "Freak Out" de 1966 y si bien es un disco rockero, efectivamente podemos encontrar algo de zapada experimental, por ejemplo, en el último tema The Return of the Son of Monster Magnet. Su segundo disco "Absolutely Free" es una locura experimental libre, como lo indica su titulo, tomemos de ejemplo el tema Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin. Un detalle de este disco es que cuenta con la voz de Terry Gilliam, miembro de la troupe Monty Python en el tema America Drinks & Goes Home. "Lumpy Gravy" Ya es una obra concreta de dos partes o actos cual música clásica, no creo que haya nada de improvisado en la creación de este disco.
"We're Only in It for the Money", otra obra experimental maravillosamente craneada. Denuncia ya desde la tapa y con los temas el interés comercial de los Beatles y otros conjuntos de la época al hacer música. Eric Clapton aporta con su voz en los temas Are You Hung Up? y Nasal Retentive Calliope Music.
En "Cruising with Ruben & the Jets" nos encontramos con baladas de rock onda 50s. Conceptualmente no son los Mothers, es otra banda, Ruben & The Jets, algo así como los Beatles personificando la Sgt. Peppers' Lonely Hearts Club Band que parodia Frank en el disco anterior. Cliché clásico total hasta para esa época. Solo el ultimo tema podríamos decir que es una zapada de rock y con casi 5 minutos es el más largo del disco.
Con solo escuchar el comienzo de su siguiente disco "Uncle Meat" ya voy despejando cada vez más las dudas. La linea del xilófono de Artie Tripp es magistral y el ritmo de la batería es casi armónico en este caso, aunque parezca imposible. Sobria piscodelia. El tercer tema Nine Tipes of Industrial Pollution si, es una zapada, indiscutible, cuelgue total de 6 minutos. El tema que le sigue es locura, perfectamente pensada, aunque parezca de ácido, ya que Frank no consumía drogas. Es un disco absolutamente vanguardista. Y así llegamos a "Hot Rats", podríamos decir, el primer disco donde Zappa mete un hit con Peaches en Regalia.
Rock psicodélico clásico, cuelgues y wah-wah. Improvisación compositiva? Puede ser. Que discazo este! para mi se lleva todos los premios el bajista Max Bennett; la base de Son of Mr. Green Genes es una pintura. Improvisación cero. Pero después The Gumbo Variations es pura zapada con un impresionante solo de violín a cargo del gran Don "Sugarcane" Harris! estoy confundido...
"Burnt Weeny Sandwich", lindo disco. Parece una zapada controlada, dirigida. Sigue la linea de "Hot Rats". Es increíble como el tipo dibuja paisajes psicodélicos, que parecen tirados de los pelos pero no. En Hollyday in Berlin, casi se pueden ver los paisajes alemanes, la guitarra con wah-wah parecería estar relatando lo que vemos. Todo el disco es un paseo por el territorio germano, los títulos de los temas lo dicen todo. Hasta ahora, el disco que mas me gusta del Frank.
"Weasels Ripped My Flesh" es en vivo, muy experimental, altamente improvisado, no me va, pasemos a "Chunga's Revenge". Buen disco, tiene mucha zapada y mucha Zappada, en todos sus significados. "Waka/Jawaka" sigue la linea experimental mas rockera y bluesera, un poco lo mismo que "The Grand Wazoo" aunque éste parece mas trabajado y arreglado. El tema, o la pieza diría que abre el disco For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers), está perfectamente arreglada y estructurada, aunque tiene pasajes que parecen improvisados, al menos, en la construcción del tema. El cierre con Blessed Relief se siente exactamente eso, un relajo bendito. El sonido del rhodes ejecutado por el enorme George Duke, es simplemente perfecto.
Como vemos Frank Zappa era un músico de rock experimental muy exigente y meticuloso pero no por eso debemos confundir experimental con improvisado. Que parezca que es un pastiche, no significa que no esté pensado para que suene así. Ademas sabido es que Frank era un enfermo de la música. El trombonísta Bruce Fowler declaró a la revista Musician que Zappa "quería aprender. Era la clase de persona que no paró de aprender a los 25 como todos los demás. Simplemente devoraba música, era en lo único que pensaba". Y ni habar de lo jodido que era con los músicos que lo acompañaban, "Sin importar lo que los muchachos hicieran, y eso que abusaban totalmente de mi, no los despedía. Seguía incorporando gente nueva para que la música fuera cada vez mas interesante." Declaró a la revista Creem "Pero la banda siempre me tiraba abajo porque era su empleador. Si soy el tipo que paga las cuentas, cómo puedo ser también un ser humano? Tuve este problema con todas las bandas hasta que dije a la mierda, voy a buscar músicos que tengan el mismo interés por la música que yo, esos pibes no querían hacer nada" Hablando de las numerosas formaciones que tuvo Mothers of Invention.
En fin, podemos concluir que Zappa experimentaba bastante con la improvisación como recurso creativo y compositivo, pero él no era ningún improvisado, ningún colgado. Todo lo que pareciera improvisado estaba pensado para que así sea.
Así que como último recurso tuve la suerte de poder consultar con el padre del rock nacional (gracias a mi propio padre). El tipo que lo inventó todo, o por lo menos, fue uno de los primeros que lo hizo notar; el gran Litto Nebbia. No hace falta que explique quien es este hombre que hace poco cumplió 50 años de carrera en el rock nacional (si, cincuenta) y lo celebró con un espectacular show en la sala Caras y Caretas al que tuve la posibilidad de ir. Acompañado por Daniel Colombres en batería, Gustavo Giannini en Bass, Daniel Homer en guitarra, Leopoldo Deza en flauta traversa y teclados adicionales y Los Reyes del Falsete en coros y algunas percus (flojo lo de estos muchachos...). En mas de 2 horas de show recorrió su medio siglo haciendo música tocando temas que van desde los primitivos Gatos Salvajes hasta sus últimas composiciones. Todo con la onda y soltura que caracteriza a este prócer del rock y la música popular argentina.
Cuestión que, como no podía ser de otra manera, Litto lo sabía y cerró todo. Se acuerdan que más arriba les dije que a mi viejo le sonaba que venia del tango? "los tangueros zapaban", efectivamente. Litto cuenta con conocimiento de causa, gracias a su padre (con el seudónimo artístico de Félix Ocampo, fue el primer cantante melódico argentino y llegó a actuar con la orquesta típica del maestro Miguel Caló), que los tangueros zapaban. Que el grupo era contratado para un show especifico y si la audiencia estaba agitada y la milonga necesitaba continuar, el dueño del bar les pagaba extra para que se queden tocando piezas improvisadas un rato mas. Entonces utilizaban el verbo "zapar" como sinónimo lunfardo de "trabajo"; "anoche nos quedamos zapando hasta las 3 de la mañana". No olvidemos que el tango, como dice en el Formulario de nominación del tango como patrimonio inmaterial de la humanidad de la UNESCO "...nació entre las clases bajas de ambas ciudades [Buenos Aires y Montevideo] como una expresión originada de la fusión de elementos de las culturas afroargentinas y afrouruguayas, auténticos criollos e inmigrantes europeos. Como resultado artístico y cultural de este proceso de hibridación, el tango es considerado hoy en día como uno de los principales signos identitarios del Río de la Plata." Entonces fueron los paisanos del interior que llegaban a Buenos Aires a mediados de siglo 19 los que traían del campo el verbo "zapar" como forma de mencionar el "trabajo". Y los músicos de tango lo utilizaban para referirse a las horas extras que hacían en las milongas. Porque, aunque todavía en el siglo 21 los músicos sigamos luchando para defender la tocada como un trabajo remunerado, para los músicos de verdad, tocar es un trabajo, aunque lo hagan por gusto y placer en primera instancia.
Conclusión:
El verbo "zapar" para referirse a la improvisación musical existe desde los orígenes del tango en las ciudades portuarias más importantes del país (Buenos Aires, Rosario). Los jóvenes habitantes de éstas, a mediados de los 60, lo adoptaron para hablar de sus propias sesiones improvisadas en el nacimiento del rock. De cualquier manera no descarto totalmente la influencia de Frank Zappa en el uso del término porque justo se da que el músico era de alto vuelto y experimentación, cosa que solo se puede hacer "zapando" y dejándose llevar. Entonces creo finalmente que es una muy grata coincidencia que deriva en una retroalimentación de la palabra. El hecho de haber tenido antiguamente una palabra que definía la improvisación musical que se parece mucho al apellido del músico de rock mas experimental de la historia. Nadie dice "vamos a beatlear" o "vamos a estonear" para referirse a zapar rock porque esos grupos claramente no lo hacían. Se dice "Zapar" con una sola P.
P de Piola.
Les dejo un playlist con temas relativos a la zapada.
Saludos
PD1: Le escribí un mail a Dweezil Zappa, hijo de Frank, para ver si sabía algo al respecto. Todavía no respondió...
PD2: Dato de color, en Rumano "Zapada" significa "Nieve".
