miércoles, 30 de septiembre de 2015

Lobos - El Woodstock que no fue

Cuando hablamos de festivales históricos de rock argentino lo primero que se nos viene a la cabeza es el "BARock". El festival, que tuvo lugar en el Velódromo de Palermo durante 5 jornadas no consecutivas en Noviembre de 1970, fue organizado por Daniel Ripoll y Oscar López, quienes eran editores de la reciente revista Pelo. Los actos destacados fueron Los Gatos, Manal, Almendra, Vox Dei, Moris, Pajarito Zaguri, Arco Iris y Alma y Vida. Oscar López luego fundaría el sello Sazam Records que editó varios clásicos del rock nacional como ser "Nayla" de David Lebon, "Música del Alma" de Charly Garcia, "Pensar en Nada" de Leon Gieco y la "Grasa de las Capitales" de Serú Giran.

Sin embargo, éste no fue el primer festival de rock al aire libre argentino. Exactamente un año antes, en Noviembre de 1969 se realizaba el festival "Pinap de la musica Beat y Pop" organizado también por Ripoll quien entonces trabajaba en la revista Pinap (predecesora de Pelo). El festival tuvo lugar durante 4 sábados en el desparecido anfiteatro "Río de la Plata" ubicado en Figueroa Alcorta y Pueyrredon, en los bosques de Palermo. Tocaron Manal, Almendra, Vox Dei, Pajarito Zaguri y la Barra de Chocolate, Litto Nebbia, Pappo y Miguel Mateos entre otros.


Pero en el medio de estos dos festivales, más exactamente el 21 de septiembre de 1970 sucedió algo de los que no muchos están al tanto; Lobos, el Woodstock que no fue.

Resulta que un reconocido actor y locutor de radio, Edgardo Suárez, quien quedaría grabado en la historia argentina para siempre por ser uno de los conductores junto a Leonardo Favio del acto de recibimiento de Juan Domingo Perón en 1973 en lo que se conocería luego como "la masacre de ezieza", tuvo la idea de hacer un festival estilo Woodstock en Lobos, provincia de Buenos Aires, tan solo un año después de aquel emblemático evento. Consiguió un terreno de 74 hectáreas ubicado a 16km de la zona urbana y empezó a hacer la convocatoria y difusión en su programa de radio. Algunos de los actos programados para el festival eran Manal, Los Gatos, Miguel Abuelo y La Cofradía de la Flor Solar.
Lo cierto es que, como sabemos, en argentina no hubo libertad plena de hacer cosas hasta la llegada de la democracia en 1983. Y cualquier tipo de convocatoria masiva, mas aun, apoyada por lo jóvenes que cada vez tenían mas fuerza y voz en todo el mundo, levantaba sospecha en los gobiernos dictatoriales. En este caso, el entonces presidente de facto Juan Carlos Ongania tenia razones para temer, teniendo como antecedente local el Cordobazo del 29 de mayo de 1969 y en el resto del mundo diversos movimientos de protesta como el histórico Mayo Francés de 1968. 
Fue entonces que, mientras Suárez organizaba el festival, la policía bonaerense y los servicios de inteligencia empezaron a investigar de qué se trataba esta convocatoria y la gente que participaría de la misma. 
Hace poco, la Comisión Provincial por la Memoria dio a conocer documentos desclasificados de la inteligencia de la policía de la provincia de Buenos Aires sobre la investigación y en los textos podemos ver las razones por las cuales decidieron presionar al entonces intendente de Lobos, Abel Francisco Alejandro Culela, para que no permita la realización del evento.
Dicen los textos:

"El festival sería usado como centro de fumadores de ‘hierba’ (canabis) y para poder ‘hacer viajes con la pastilla’, por lo que se infiere que tendrán los primeros casos reales del uso del LSD"

"se considera de absoluta necesidad instalar un Comando en el Paraje (...) ya que debido a la clase de personas que concurrirán a éste (‘hippies’), podrían producirse situaciones de roce"

"la realización del evento aparejaría una responsabilidad enorme para las autoridades, ya que no se cuenta con experiencias de estos festivales"

La cancelación del festival fue tan sobre la hora que varios jóvenes se acercaron igual al lugar, muchos ni se habían enterado de la suspensión. Cuando llegaron no había mas que incertidumbre. Así que se quedaron ahí, pasando el día, esperando a ver si se hacia o no, mientras tocaban la guitarra, armaban fogones y pasaban un buen día de campo con amigos. Finalmente el festival nunca sucedió y todos volvieron a casa.

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La fecha se reprogramó para octubre pero también fue cancelado. Igualmente faltaría solo un mes para que "BARock" definiese el festival de rock argentino. Concepto que quedaría plasmado en la película Rock hasta que se ponga el Sol que principalmente muestra lo que fue la tercera edición del festival en 1972 junto con escenas delirantes de ficción protagonizadas por los integrantes de las bandas, por ejemplo una escena muy loca donde a Lebón le pegan unos tiros, y algunas otras filmaciones en estudios y teatros.
Una de las mejores performances que quedaron grabadas en esa película fue la pieza de sitar Raga interpretada por Claudio Gabis en estudio, grabado en vivo por Billy Bond.


Mucho mas tarde llegaría Cosquín, San Pedro, y las megamarcas comprando el rock. Pero todo eso tuvo un origen muy genuino y espontaneo que, una vez, no pudo ser, pero que no muere. Actualmente existe un festival en esta clave que se llama "Fernandez Rock" que se realiza una vez por año en Capilla del Señor. Camionetas Volskwagen, carpas, rock y buena onda.
Come together.



lunes, 28 de septiembre de 2015

The Dead Weather - Dodge and Burn

Hay 3 tipos en el podio del rock actualmente. Muy interesante el hecho de que sean norteamericanos. El rockstar británico quedó atrás hace rato y lo último que están ofreciendo los ingleses es cada vez menos rock y más delicado...
La medalla de bronce se la lleva Dave Grohl, que tiene más merito por ser un rescatador del sonido, los artistas y la historia del rock, más que por su propia música aunque como baterísta es innegable. En el primer puesto por ser mayor (solo dos años) y tener más historia está el colorado Josh Homme. Maestro indiscutible del rock y, si bien, no podemos decir que haya "inventado" el Stoner Rock, fue el tipo que lo puso a la altura del estilo en general y lo convirtió en una pata mas del rock mainstream.

Jack White es un intermedio de estos dos, por eso lo pongo en el puesto plateado. Tiene algo de los dos; es increíblemente prolifero como músico y compositor pero también tiene un lado que va más por rescatar todo lo que el rock genera fuera de la música. Hace 15 años fundó su propio estudio de grabación y sello discográfico Third Man Records que tiene una impronta de recuperar lo analógico, no solo en cuanto al sonido, si no en cuanto a las personas. Nosotros somos analógicos por naturaleza. Pero nos estamos digitalizando y esos nos des-sociabiliza en situaciones que nunca te hubieras imaginado. Por ejemplo, hoy sale el nuevo disco de tu banda favorita; entras en tu aplicación de música y con un "tap" (porque el "click" ya quedó viejo...) lo comprás y lo tenés instantáneamente en tu dispositivo y listo. Sin consultar, sin averiguar, sin ni siquiera sentir lo áspero del dinero en tus manos cuando lo estas pagando. Antes vos ibas a la disquería a buscar el disco de tu banda favorita y ya de entrada tenias contacto con el disquero. Por ahí, escuchaban un poco el disco, hablaban del anterior, de las influencias de "si te gusta éste, no podes perderte éste...", te cruzabas con alguien en el local que se sumaba a la charla y por ahí se convertía en el próximo bajista de tu banda, que se yo, cualquier cosa. Lo que digo es que lo lindo de las cosas que nos gustan es lo que generan al rededor de eso mismo. Uno pude escuchar el disco en su casa y todo bien, pero lo lindo es ir al recital a escuchar ese disco, salir con amigos, comer una pizza y compartir con gente que le pasa lo mismo que a uno. Esto es lo que este tipo viene a rescatar, este es el "artista" en Jack White, un tipo que define el concepto del rock, más que de la música.

Third Man Records imprime solo vinilos, de artistas que produce y reediciones, por ejemplo, de perdidos iconos del blues. Incluso tienen un camión disquería rodante que cuenta con un sonido de 8 canales para hacer conciertos en donde sea. Lo más interesante de todo esto es que este "artista" del rock trabaja todo lo que va por fuera de la música, en función de la propia música. Es como cuando me explicaron hace muchos años que las computadoras Apple eran mejores que las PCs porque el software y el hardware eran diseñados por la misma gente uno en función del otro, por eso andaban mejor. Quiero decir, no hay megacorporaciones que trabajan igual para todos los géneros que explotan, acá todo lo que está fuera de la música es para hacer que el rock sea lo mas genuino posible. Todo con un estilo que hace a White y su Third Man Records una especie de fabrica de chocolate de Willy Wonka.


Bueno, al disco.
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The Dead Weather es la tercera banda de White, mas allá de su carrera solista. Formada en 2009 el grupo acaba de sacar su tercer disco "Dodge & Burn".
Todo comenzó como una desgracia con suerte cuando en 2008 The Racounters estaban tocando en Memphis, Tennessee y Jack se quedó sin voz, asi que invitó a Alison Mosshart de The Kills, con quienes estaban de gira, para que lo banque en algunas canciones. Despues también orgánicamente se sumarían Jack Lawrence, otro de Racounters, y Dean Fertita de Queens of the Stone Age. Un detalle acá es que White toca la batería, le parecía redundante armar otra banda donde tocara la guitarra y quiso reencontrarse con su primer amor, la bata. Casi instantáneamente a su formación sacaron dos discos "Horehound" en 2009 y "Sea of Cowards" en 2010. Los dos bastante oscuros pero con un sonido y una potencia muy clara y moderna mas allá de sonar vintage.
El disco arranca y lo primero que uno dice es Zeppelin. Pero no lo digo en el sentido esto ya se ha escuchado. Lo digo bien, porque tocar como Zeppelin y hacer sonar como Zeppelin no es para cualquiera y esto suena bien, clásico y moderno. Algo así como la banda de sonido de Kill Bill. Bastante fiel a la onda de los dos discos anteriores, pero parece menos oscuro.
El sonido en general se caracteriza por tener un bajo bien gordo de ataque y una batería bien abierta, guitarras al menos triplicadas y la voz que parece filtrada por un tocadiscos.
El bombo de Let me Through ya vale el disco entero, tiene aire, alma. Sin embargo el estilo es difícil de describir porque es como si fuera una banda beat de los 60 pero con cierta oscuridad y algunos pasajes hasta hip hoperos.  La intro vampiresca de Open Up ya es augurio de temazo, espectacular, la cuota Stoner del disco. No por nada fue el primer single.
Es increíble como va evolucionando el sonido del redoblante en el disco. Se nota que White es el baterísta y productor. Porque arranca con un sonido mas bien de rock clásico, sin tanto armónico con mucha bordona y mientras va corriendo el disco se va poniendo cada vez mas picante, ejemplo de esto es la primer parte de Mile Markers aunque el sonido del redoblante vuelve a la "normalidad" en la mitad del mismo tema! nunca escuché algo así.
El ultimo tema, Impossible Winner es la única "balada" del disco, lo menos oscuro. Sin embargo tiene la misma tensión y poder que cruza todo el disco y como cierre no puede ser mas perfecto.

Buen disco. No tiene mucha profundidad, digo, no hay mucho que analizar. Es un disco bueno para escuchar, es bandera del rock moderno. Vale mucho la pena aunque reconozco que no es para todos.

viernes, 25 de septiembre de 2015

Keith Richards - Crosseyed Heart

Hace un tiempo salió por todos lados que Keith Richards había dicho que el álbum "Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band" de los Beatles era una mierda. Obviamente, como es de costumbre en esta era, los dichos del guitarrista fueron victimas de  la velocidad de la viralización y la exageración tendenciosa que hace que nadie se detenga a investigar cuál es el origen y el contexto de esos dichos. Pero, a quién le importa no? La bomba de Richards, seguir con la batalla Beatles Vs. Stones a cualquier costo, es lo que quieren los medios hoy en día. Tener algo que mostrar para que la gente consuma ciegamente.
Lo cierto es que lo dicho por Keith fue parte de una extensa entrevista dada a la revista americana Esquire en función de la promoción de su nuevo disco solista "Crosseyed Heart", que estoy escuchando ahora, mientras traduzco las partes más interesantes de la entrevista para que ustedes puedan entender por qué el septuagenario guitarrista dijo lo que dijo.





















E: Cómo llevas la gira de los Stones?

K: Me banco el show. En los sesenta eran 20 minutos, entrabas y salias. Ahora son 2 horas! Pero no termino tan cansado como hace 10 años porque aprendí cómo llevar el show. No pienso en la cuestión física, solo espero que todo funcione bien y listo. He sido bendecido físicamente con mucho aguante, el cuadro todavía se sostiene. Como lo que comí siempre, carne y papas básicamente, y un poco de pescado de vez en cuando. Mi esposa trata de hacerme comer ensalada... prefiero tomar pastillas.

E: Todavía sentís la adrenalina en el escenario?

K: Por supuesto. Probablemente sea la única droga que nos queda. La que nos saca como cualquier otra. Aunque hay algo acerca de tocar con estos chabones... Será el habito? Es el tiempo que lo venimos haciendo? Pero cuando empezamos a ensayar el entusiasmo de todos esta ahí, especialmente en este tour. Se sintió genial desde el primer show.

E: Estuve pensando en "Rubber Soul", "Revolver", "Sgt. Peppers" y el "Álbum Blanco", y escuchando "Beggars 
Banquet", "Let It Bleed", "Sticky Fingers", y "Exile on Main St." durante los últimos 20 años. Escuchando esos Stones mucho mas seguido...

K: No, entiendo. Los Beatles sonaban bárbaro cuando eran los Beatles. Pero no hay raíces en esa música. Me parece que se dejaron llevar, por qué no? Si hubieras sido los Beatles en los sesenta, te hubieras dejado llevar, te hubieras olvidado lo que querías hacer y empezas a hacer Sgt. Peppers... Mucha gente piensa que es una genialidad pero yo pienso que es un rejunte de basura, un poco como Satanic Majesties. "Si ustedes pueden hacer un montón de mierda, nosotros también."

E: Dijiste que el poder del Blues te voló la mente cuando eras un niño, y eso no cambió. 

K: No. Reconozco el poder cuando lo veo. Y hay algo increíblemente poderoso en el blues, el blues crudo; no existe una pieza en toda la música popular que hayas escuchado que no haya sido influenciada en alguna forma por el blues. Inclusive el jingle mas absurdo o rap. Todo está influenciado por el blues. Creo que probablemente es la forma de música original del mundo.

E: Es loco que después de tantos años tu leyenda tiene una existencia absolutamente separada de tu música. 

K: Lo se. Es bizarro. Probablemente soy mas conocido por mi imagen que por mi música. Me acostumbré. Es como un grillete que llevas y es un tipo que tal vez eras hace 25 años, pero siempre está ahí.

E: Dijiste varias veces que volverias a pagar el precio y te creo. 

K: Por supuesto, valió la pena. Convertirme en músico era mi sueño, ser parte de una banda, aunque sea tocando una guitarra en el fondo. No me hubiera importado ser un músico de costado, pero las cosas fueron de otra manera. Tal vez por el corte de pelo, no se...

El disco
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El disco es puro folk blues. Muy tranquilo, muy asentado. Se siente como esos muebles de madera antiguos que están super firmes, armadísimos, que no se rompen con nada, perfectamente diseñados y recontra curtidos. Realmente se siente la experiencia de Keith en el sonido. No solo de su espectacular voz, si no de las guitarras, los pianos, la bata, todo.
Es genial como arranca el disco con el tema que da nombre al mismo. Un bluesecito de Keith solo que termina con una frase que dice algo así como "bueno, tengo hasta ahí." genial.
El primer tema Stone del disco es Trouble. Clásico guitarrístico de Keith. No por nada fue el corte de difusión. Supongo que por asociación directa no? Un Stone aunque solo, tiene que sonar Stone. Pero el resto del disco es mas bien folk. De hecho este tema tiene un solo de steel guitar. Sorprende con un reaggae! el tema Love Overdue. Muy bueno, la voz es rara, pero va muy bien. Blues in The Morning uno de los mejores, si no el mejor, tema del disco. Blues Rock total, con piano, saxo, mucha reverb y mucha onda. Espectacular, super bailable.
Hacia el final el disco se va poniendo mas tranquilo, reflexivo. Keith en su versión mas adulta, mas que adulto, añejo, curtido. Un tipo que vivió la vida toda y tiene mucha experiencia para contar.
Goodnight Irene  es un villancico folk digno de Bob Dylan, muy bueno el toque y la voz.
Así que así está Keith a los 71 años, sacando discos, sonriente y mas curtido que nunca.

miércoles, 23 de septiembre de 2015

De dónde viene? Cuál es el origen de la palabra "Zapar"?

Hace un tiempo me definí como músico de zapada. Encuentro en el hecho de tocar espontáneamente el verdadero goce y disfrute de la música. Es cierto que cuando uno ensaya una obra y trabaja mucho sobre una misma pieza, el ensamble final y ajustado de los músicos, haciendo cada uno su parte, hace que la cosa se vaya y tome un cuerpo y estado propio. La canción, el tema nace. Pero la zapada tiene magia, esa es la principal diferencia. Que todo lo que se arma y sucede es espontaneo. Tiene que ver con lo que se siente y lo que se va construyendo. Es un circulo vicioso, una retroalimentación constante que va evolucionando en el tiempo en función de la comunicación tácita de los ejecutantes de turno, que en muchos casos, nunca se habían visto antes.
Ojo, puede salir como la mierda. Y en general, esas son las zapadas que se graban. Las mágicas, las perfectas, las que todo cierra y se abre perfecto, no. Se desvanecen, ni si quiera quedan en la memoria de los músicos. Solo queda un recuerdo sensorial de lo que experimentamos mientras sucedía la música. Lo que si pasa mucho es que alguna idea que haya salido de esa creación sea la semilla que germine un nuevo tema a desarrollar.
Todo muy lindo pero... ¿de donde viene el termino "zapar"? Porque sabemos que tiene que ver con la improvisación musical, pero no es exactamente improvisar. Implica más. Es improvisar sintiendo, llevar el clima musical, pero no tipo free jazz que tiene estructuras. Acá en el rock la única regla es vibrarla todos juntos por el mismo lugar. Y bien lo define el verbo "zapar" aunque su aplicación tiene un origen misterioso.






















Si uno busca en el diccionario, el verbo "zapar" existe y encuentra esto:

zapar.
1. intr. Trabajar con la zapa (‖ pala).

zapa1.
(Del lat. sappa, escardillo).
1. f. Especie de pala herrada de la mitad abajo, con un corte acerado, que usan los zapadores o gastadores.
2. f. Mil. Excavación de galería subterránea o de zanja al descubierto.
caminar a la ~ los sitiadores.
1. loc. verb. Mil. Avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos, o al amparo de las fortificaciones que sitian.

Analizando el significado de éste verbo "zapar", se pueden esbozar algunas especulaciones;
¿tendría algo que ver con tocar música improvisada bajo el efecto de cocaína y la "pala"? o con el hecho de estar encerrados en salas, sótanos subterráneos, por horas tocando? o tendrá alguna referencia a caminar la vereda de la estación Once de Septiembre, en la esquina de La Perla y "avanzar reguardados por las galerías o trincheras que abren ellos mismos"? o a las noches interminables de La Cueva "al amparo de las fortificaciones que sitian"?
La verdad, no lo se, pero al romanticismo de la arqueología del rock nacional, le queda hermoso.

Buceando en Internet, solo se encuentran teorías y supuestos, como ésta que me pareció muy interesante que dice que el origen del uso de la palabra zapar, aplicado a una improvisación colectiva, puede llegar a venir de la "minga", costumbre muy extendida en las zonas rurales desde la época colonial, cuando los paisanos se juntaban para ayudar a otro en la zapa de su terreno y así ayudarse mutuamente. Zapar un terreno es básicamente remover la tierra una vez hecha la cosecha y prepararla para el próximo cultivo. Lo mismo hacían cuando alguno tenía que construir un corral o algo que representara cierto esfuerzo grande: el dueño de la tierra armaba una comilona acorde a sus posibilidades y los vecinos lo ayudaban. Podemos imaginar la presencia de vino y alguna guitarra en estos encuentros. En síntesis, la zapada en el campo era un trabajo colectivo al igual que lo es en la música. Otro propone que puede venir de la similitud de la zapa con la guitarra (Argentina es un país de mucho campo y este instrumento es bastante común en todos lados). Una asociación bastante libre porque en lo único que se parecen es que ambas tiene mango.
Lo curioso es que el termino "zapar" para referirse a las juntadas de improvisación de rock, es exclusivamente argentino. En otros lugares del mundo, incluso hispano parlantes, se le dice "jam" o "jam session", como en inglés. Los cubanos le dicen "descarga" y los franceses "bœuffer" que viene de la expresión francesa "faire un boeuf" (en español "hacer una ternera"). Viene de un restaurante que se llamaba "Le boeuf sur le toit" donde se daban funciones de música improvisada. O sea que el término nace del contexto concreto de donde sucedían las zapadas. Rolando Castello Jr. baterísta del mítico Aeroblus (Pappo, Alejandro Medina) me dice que en brasil se dice "jam" como en inglés.

Buscando en la web las palabras "zapar" y "zapada" di con todas estas teorías y con algunos datos interesantes. Por ejemplo me topé con un libro del periodista español Juan Cueto llamado "'Yo nací con la infamia. La mirada vagabunda" donde hace una critica sobre la influencia cultural que implica el avance de la tecnología. En un fragmento habla del "zapping", la costumbre de cambiar rápidamente los canales de la TV sin profundizar en el contenido de los programas, solo hacer una deducción fugaz e inconsciente de lo que va el programa tomando unos pocos fotogramas como única y escueta referencia. El libro dice:

"El zapping se ha convertido en el modo habitual y civilizado de enfrentarse a la pantalla. Por eso hay que encontrar un término nacional para nombrar en nuestra lengua este acto, la nueva manera de mirar, seguramente una manera de vivir. [...] La solución podría ser "zapar", viejo verbo castellano de origen militar que equivale a excavar una zanja, es decir, a cortar un espacio, y que también suena a boicoteo (trabajo de zapa). No está mal. Pero el zapping no sólo es labor de zapa contra una cadena, desintegración de imágenes, corte de mangas contra un espacio, acto de zanjar. Sobre todo es salto, cambio frenético, mezcla de imágenes..."

Si bien lo que hace el autor es vincular dos términos solo por la similitud sonora que tienen, lo que necesita es describirlos bien para poder oponerlos y concluir que, en este caso, no son sinónimos. Pero es interesante ver si podemos relacionar lo que dice sobre el verbo original "zapar", con el acto de improvisación musical. Dice que zapar equivale a cortar un espacio. Aplica perfectamente ya que las primeras zapadas de rock las hacían los jóvenes de mediados de los 60 como parte de su personalidad de revolución cultural y "corte" de las costumbres de los "grandes". Habla de boicot; el origen del rock nacional tuvo mucho de crítica y protesta contra el sistema y la política nacional. Termina utilizando el verbo "desintegrar" que también se relaciona con la "zapada" ya que muchas de estas empiezan tocando un tema conocido o al menos su riff, melodía o base y se termina desintegrando y reconstruyendo en una música nueva. La verdad es que las profundidades del verbo "zapar" como actividad de campo, mucho tienen en común con ciertos ideales y principios de la "zapada" musical.

El primer registro oficial de éste término en la jerga del rock argentino quedó impreso en el disco "Pescado 2" de Pescado Rabioso con el tema Señorita Zapada en el año 1973. O sea que la palabra se acuñó al menos 1 año antes, durante la grabación del disco.
Lo respuesta más común que disparan muchos ante este interrogante es que viene del apellido del gran músico norteamericano Frank Vincent Zappa. Ademas todos sabemos que va con Z pero con una sola P y naturalmente, suena a Zappa, quien era un artista sumamente experimental. Puede asociarse tranquilamente, pero para estar mas seguros, consulté a algunos dinosaurios del rock a ver que data me podían aportar sobre si es un concepto campestre adoptado por los jóvenes metropolitanos de mediados de los 60 o si, efectivamente, la magia compositiva de Frank Zappa puede definir algo tan argentino como el dulce de leche.

Ric Ache, cantante de Hiperimpulso, histórico del underground. Ha compartido fechas con Sumo y Soda Stereo en el Einstein. Habitué del Parakultural, ha trabajado con los Moura en Virus. El me cuenta que escucha el término aproximadamente desde el 66 "Maso por mi edad, porque bromeábamos por el que mandaba fruta hablando que zapaba. En el jazz de los 50, que mi viejo me llevaba a ver bandas de hot jazz, no se usaba" sostiene. Sus dichos coinciden con el debut de Frank Zappa y los Mothers of Invention con el álbum "Freak Out". "En 1966 lo odiaba, me parecía un nabo. Desde Hot Rats (1969) lo escuché, me gustó la tapa". Me cuenta que recuerda claramente a Vox Dei decir en un momento de su show en el festival BARock de 1969 "este tema lo zapamos un poco". Si bien reconoce y sabe que Zappa utilizaba la improvisación como recurso creativo, no puede defender que de ahí venga la expresión "la verdad que no se de donde vino, y por mas que Zappa era término de "improvisador" o "loco" no registro que ese sea el origen".

Mi viejo, Rubén Weinstein, músico, melómano, coleccionista de rock, gran conocedor de los discos argentinos en general, participe en la gesta del rock nacional, dice que viene directamente de Frank Zappa. Que después de ensayar y tocar se quedaban "zapando" o en los bares donde frecuentaban aparecían las guitarras y se ponían a "ver que salia" entre todos. Según mis investigaciones, el primer disco, o el mas conocido acá fue Hot Rats de 1969. Es el primero que se le vino a la mente a mi viejo cuando lo consulté. Pero Chunga's Revenge (1970) fue el que instaló a Zappa en la cultura rockera argentina. Ahí tenemos varios años de diferencia. Otro dato que me aporta es que "los tangueros zapaban" pero no se acordaba bien, aunque retengan este dato porque no es menor.
Ahora, vamos a analizar la discografía de Frank Zappa hasta 1972 a ver si podemos linkear su estilo con el hecho de improvisar rock.


Como decíamos el primer disco de Frank Zappa fue "Freak Out" de 1966 y si bien es un disco rockero, efectivamente podemos encontrar algo de zapada experimental, por ejemplo, en el último tema The Return of the Son of Monster Magnet. Su segundo disco "Absolutely Free" es una locura experimental libre, como lo indica su titulo, tomemos de ejemplo el tema Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin. Un detalle de este disco es que cuenta con la voz de Terry Gilliam, miembro de la troupe Monty Python en el tema America Drinks & Goes Home. "Lumpy Gravy" Ya es una obra concreta de dos partes o actos cual música clásica, no creo que haya nada de improvisado en la creación de este disco.
"We're Only in It for the Money", otra obra experimental maravillosamente craneada. Denuncia ya desde la tapa y con los temas el interés comercial de los Beatles  y otros conjuntos de la época al hacer música. Eric Clapton aporta con su voz en los temas Are You Hung Up? y Nasal Retentive Calliope Music.
En "Cruising with Ruben & the Jets" nos encontramos con baladas de rock onda 50s. Conceptualmente no son los Mothers, es otra banda, Ruben & The Jets, algo así como los Beatles personificando la Sgt. Peppers' Lonely Hearts Club Band que parodia Frank en el disco anterior. Cliché clásico total hasta para esa época. Solo el ultimo tema podríamos decir que es una zapada de rock y con casi 5 minutos es el más largo del disco.
Con solo escuchar el comienzo de su siguiente disco "Uncle Meat" ya voy despejando cada vez más las dudas. La linea del xilófono de Artie Tripp es magistral y el ritmo de la batería es casi armónico en este caso, aunque parezca imposible. Sobria piscodelia. El tercer tema Nine Tipes of Industrial Pollution si, es una zapada, indiscutible, cuelgue total de 6 minutos. El tema que le sigue es locura, perfectamente pensada, aunque parezca de ácido, ya que Frank no consumía drogas. Es un disco absolutamente vanguardista.
Y así llegamos a "Hot Rats", podríamos decir, el primer disco donde Zappa mete un hit con Peaches en Regalia.
Rock psicodélico clásico, cuelgues y wah-wah. Improvisación compositiva? Puede ser. Que discazo este! para mi se lleva todos los premios el bajista Max Bennett; la base de Son of Mr. Green Genes es una pintura. Improvisación cero. Pero después The Gumbo Variations es pura zapada con un impresionante solo de violín a cargo del gran Don "Sugarcane" Harris! estoy confundido...
"Burnt Weeny Sandwich", lindo disco. Parece una zapada controlada, dirigida. Sigue la linea de "Hot Rats". Es increíble como el tipo dibuja paisajes psicodélicos, que parecen tirados de los pelos pero no. En Hollyday in Berlin, casi se pueden ver los paisajes alemanes, la guitarra con wah-wah parecería estar relatando lo que vemos. Todo el disco es un paseo por el territorio germano, los títulos de los temas lo dicen todo. Hasta ahora, el disco que mas me gusta del Frank.
"Weasels Ripped My Flesh" es en vivo, muy experimental, altamente improvisado, no me va, pasemos a "Chunga's Revenge". Buen disco, tiene mucha zapada y mucha Zappada, en todos sus significados. "Waka/Jawaka" sigue la linea experimental mas rockera y bluesera, un poco lo mismo que "The Grand Wazoo" aunque éste parece mas trabajado y arreglado. El tema, o la pieza diría que abre el disco For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers), está perfectamente arreglada y estructurada, aunque tiene pasajes que parecen improvisados, al menos, en la construcción del tema. El cierre con Blessed Relief se siente exactamente eso, un relajo bendito. El sonido del rhodes ejecutado por el enorme George Duke, es simplemente perfecto.

Como vemos Frank Zappa era un músico de rock experimental muy exigente y meticuloso pero no por eso debemos confundir experimental con improvisado. Que parezca que es un pastiche, no significa que no esté pensado para que suene así. Ademas sabido es que Frank era un enfermo de la música. El trombonísta Bruce Fowler declaró a la revista Musician que Zappa "quería aprender. Era la clase de persona que no paró de aprender a los 25 como todos los demás. Simplemente devoraba música, era en lo único que pensaba". Y ni habar de lo jodido que era con los músicos que lo acompañaban, "Sin importar lo que los muchachos hicieran, y eso que abusaban totalmente de mi, no los despedía. Seguía incorporando gente nueva para que la música fuera cada vez mas interesante." Declaró a la revista Creem "Pero la banda siempre me tiraba abajo porque era su empleador. Si soy el tipo que paga las cuentas, cómo puedo ser también un ser humano? Tuve este problema con todas las bandas hasta que dije a la mierda, voy a buscar músicos que tengan el mismo interés por la música que yo, esos pibes no querían hacer nada" Hablando de las numerosas formaciones que tuvo Mothers of Invention.
En fin, podemos concluir que Zappa experimentaba bastante con la improvisación como recurso creativo y compositivo, pero él no era ningún improvisado, ningún colgado. Todo lo que pareciera improvisado estaba pensado para que así sea.

Así que como último recurso tuve la suerte de poder consultar con el padre del rock nacional (gracias a mi propio padre). El tipo que lo inventó todo, o por lo menos, fue uno de los primeros que lo hizo notar; el gran Litto Nebbia.
No hace falta que explique quien es este hombre que hace poco cumplió 50 años de carrera en el rock nacional (si, cincuenta) y lo celebró con un espectacular show en la sala Caras y Caretas al que tuve la posibilidad de ir. Acompañado por Daniel Colombres en batería, Gustavo Giannini en Bass, Daniel Homer en guitarra, Leopoldo Deza en flauta traversa y teclados adicionales y Los Reyes del Falsete en coros y algunas percus (flojo lo de estos muchachos...). En mas de 2 horas de show recorrió su medio siglo haciendo música tocando temas que van desde los primitivos Gatos Salvajes hasta sus últimas composiciones. Todo con la onda y soltura que caracteriza a este prócer del rock y la música popular argentina.
Cuestión que, como no podía ser de otra manera, Litto lo sabía y cerró todo. Se acuerdan que más arriba les dije que a mi viejo le sonaba que venia del tango? "los tangueros zapaban", efectivamente. Litto cuenta con conocimiento de causa, gracias a su padre (con el seudónimo artístico de Félix Ocampo, fue el primer cantante melódico argentino y llegó a actuar con la orquesta típica del maestro Miguel Caló), que los tangueros zapaban. Que el grupo era contratado para un show especifico y si la audiencia estaba agitada y la milonga necesitaba continuar, el dueño del bar les pagaba extra para que se queden tocando piezas improvisadas un rato mas. Entonces utilizaban el verbo "zapar" como sinónimo lunfardo de "trabajo"; "anoche nos quedamos zapando hasta las 3 de la mañana". No olvidemos que el tango, como dice en el Formulario de nominación del tango como patrimonio inmaterial de la humanidad de la UNESCO "...nació entre las clases bajas de ambas ciudades [Buenos Aires y Montevideo] como una expresión originada de la fusión de elementos de las culturas afroargentinas y afrouruguayas, auténticos criollos e inmigrantes europeos. Como resultado artístico y cultural de este proceso de hibridación, el tango es considerado hoy en día como uno de los principales signos identitarios del Río de la Plata." Entonces fueron los paisanos del interior que llegaban a Buenos Aires a mediados de siglo 19 los que traían del campo el verbo "zapar" como forma de mencionar el "trabajo". Y los músicos de tango lo utilizaban para referirse a las horas extras que hacían en las milongas. Porque, aunque todavía en el siglo 21 los músicos sigamos luchando para defender la tocada como un trabajo remunerado, para los músicos de verdad, tocar es un trabajo, aunque lo hagan por gusto y placer en primera instancia.

Conclusión:
El verbo "zapar" para referirse a la improvisación musical existe desde los orígenes del tango en las ciudades portuarias más importantes del país (Buenos Aires, Rosario). Los jóvenes habitantes de éstas, a mediados de los 60, lo adoptaron para hablar de sus propias sesiones improvisadas en el nacimiento del rock. De cualquier manera no descarto totalmente la influencia de Frank Zappa en el uso del término porque justo se da que el músico era de alto vuelto y experimentación, cosa que solo se puede hacer "zapando" y dejándose llevar. Entonces creo finalmente que es una muy grata coincidencia que deriva en una retroalimentación de la palabra. El hecho de haber tenido antiguamente una palabra que definía la improvisación musical que se parece mucho al apellido del músico de rock mas experimental de la historia. Nadie dice "vamos a beatlear" o "vamos a estonear" para referirse a zapar rock porque esos grupos claramente no lo hacían. Se dice "Zapar" con una sola P.
P de Piola.

Les dejo un playlist con temas relativos a la zapada.
Saludos

PD1: Le escribí un mail a Dweezil Zappa, hijo de Frank, para ver si sabía algo al respecto. Todavía no respondió...
PD2: Dato de color, en Rumano "Zapada" significa "Nieve".

Arranca la Radio!

Amigxs del rock y del blog.
Hoy arranca "Todo dado Vuelta" el programa institucional de La Comunidad Del Sótano donde Random Rock Radio va a tener su espacio en una columna semanal donde estaremos hablando de rock y otras yerbas relacionadas con las actividades del lugar.
La Comunidad del Sótano es un espacio cultural absolutamente autogestivo y reciclado donde los integrantes de esta "comunidad" trabajan para ofrecer distintas propuestas todas con un denominador común; la buena onda y el acceso para todos. Shows en vivo, talleres, peña, comidas, actividades para chicos, estudio de grabación, salas de ensayo y, ahora también, radio.
"Todo dado Vuelta" es entonces el primer y único programa de la LCSRadio que se emitirá semanalmente los miércoles de 21 a 23hs por esta web comunidaddelsotano.com.ar. Ahi hay un player que con solo darle al play, ya suena. Ademas está el facebook de la comunidad y el de la radio en si para que puedan seguir online las actualizaciones y novedades del espacio y del programa.
Espero que me acompañen en este nuevo proyecto. En el futuro iré subiendo a algún lado los programas o al menos la sección Random Rock para que la escuchen si no agarran el vivo.
Saludos
Nos vemos esta noche
Bruno


lunes, 21 de septiembre de 2015

Pimps of Joytime

Hoy en día todo es video. Youtube revolucionó la forma de comunicar, de aprender y de difundir.
Respecto de la música estuvo muy bueno lo que pasó porque finalmente el concepto "audiovisual" tuvo real sentido para ambas artes. La sinergia entre realizadores de video y músicos nunca tuvo tanto poder como ahora. Cantidad de formas distintas de mostrar la música. Es mas, el video clip como tal estilo MTV ya no es el principal método de difusión audiovisual y de hecho quedó medio antiguo. Lo que va ahora son las sesiones. De todas formas y colores, están las Sofar Sounds, las KEXP, las de la cocina, hay miles por todo el mundo. Todas con un denominador común que es la calidad. Hoy día se puede hacer video de altísima calidad con muy bajo presupuesto, todo depende obviamente de la calidad de los realizadores y los músicos para hacer su trabajo.
El otro día me mostraron un nuevo formato de sesión que, la verdad, no sorprende desde lo creativo, pero si de la calidad de los artistas que llevan. Se llama Jam in The Van. Básicamente es una camioneta devenida en sala donde tocan las bandas. El titulo igual miente porque no es jam, son temas concretos y la camioneta no anda, esta parada. Seria interesante que se moviese no? En fin, cuestión que el otro día me mostraron este nuevo formato con este video.


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Y ya nada importó, ni la sesión ni la camioneta, ni el hecho de que anda a energía solar, ni nada. La banda me dejó perplejo. Pimps of Joytime suena así, suelto, con todo el groove y a su vez es soul del mas simple. No tienen una gran instrumentación. Básicamente son un trío con dos coristas que aportan percusión. Se destaca el baterísta John Staten por su sonrisa en evidente goce o "joytime" que no es mas que síntoma de groove. Y el guitarrista y cantante principal Brian J por lo concreto del sonido de su guitarra y lo acertado de los riffs.
No hay mucha info en la web, lo que si veo es cantidad de sitios vendiendo tickets y anunciando fechas cosa que no me sorprende porque esta es una banda de la que no hay que saber mucho, simplemente hay que escucharla y disfrutarla. Y si hubiera chance de verla en vivo seria increíble bailar al ritmo de su onda.
La banda de Brooklyn/Nueva Orleans cuenta con 5 lanzamientos en su haber; un single y 4 lps. El último "Jukestone Paradise" fue lanzado este año y tiene un sonido mas moderno pero con el alma soul intacta. Bueno voy a dejar de escribir para dejarme y dejarlos escuchar porque de esto se trata esta banda.
Groovy baby!

martes, 15 de septiembre de 2015

The Underground Youth

Creo que hay un dios. Un dios de Internet. Un dios que básicamente son algoritmos y motores que hacen cuentas según los datos y búsquedas que uno ingresa y las cosas que consume. Entonces este dios pone en tu camino eso que vos querés comprar, ver o escuchar. Hasta gente que tiene tus mismos intereses te muestra... en fin.
De repente "dios sabe por qué" me aparece este disco de esta banda que ya con su nombre me dispara algo; juventud, underground; la tapa es la cara de una mina bien brit de pelo corto y mirada perdida, atractiva pero rechazante a la vez. Y ya pasaron casi 30 minutos del disco y me doy cuenta que estoy sedado, hipnotizado por un sonido colgado pero bastante familiar, cómodo. Y me doy cuenta de que me gusta, entonces me pongo a buscar y no encuentro mucho. De hecho doy con un blog de un tipo que describe una situación similar, que lógicamente no voy a citar, pero le pasa lo mismo, de la nada se siente absorbido por el original sonido de The Underground Youth.


El disco que estoy escuchando se llama "Mademoiselle" y básicamente es indie brit shoegaze, altamente reminiscente a Stone Roses. Riffs colgados en un solo tono, a veces pasa a otra parte, a veces no. A veces mas power pero en general tranquilo.
No hay mucha data, no tienen pagina de internet, no tienen wikipedia, son realmente under, el under de internet. Solo están en bandcamp y facebook. Ahí encuentro su discografía y descubro que el disco que estoy escuchando es su tercero y de 2010! No way. Hay que ver qué están haciendo ahora!
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Este año sacaron su séptimo disco de estudio "Haunted". Este último no tiene nada que ver con el primero que escuché. Este es mas plástico, mas oscuro, onda Depeche Mode. Tiene la psicodelia, pero medio mal viaje.
La banda comenzó como el proyecto solista de Craig Dyer en Manchester en 2009. Originalmente poniéndole música a los poemas que venia escribiendo desde adolescente. Luego se armó la banda, con su esposa Olya en batería y agregando un guitarrista para los shows en vivo.
Así que simplemente sugiero recorrer toda la discografía de esta banda a ver en qué punto de su evolución uno se siente mas cómodo. Seguro que en algún lugar te quedas.



lunes, 14 de septiembre de 2015

10 Bandas Under Argentinas

La revista NAN es uno de los medios que más está al tanto de lo que pasa en el undermundo musical argentino, y tienen muchísima buena data de las bandas de capital y la provincia de buenos aires.
En éste articulo recomiendan varias que anduvieron tocando estos días (algunas ya tocaron, otras tocaran!).
Yo agarré el artículo como fuente de info y decir "a ver qué son estas bandas que andan tocando por ahí?" y elegí las 10 que más me gustaron, para tener en cuenta.

Príncipe Idiota

Especie de ambient rock, con buen sonido, prolijo.

Bestia Bebe

Indie rock bien tocado con buenas ideas, nada nuevo, pero buena onda.

107 Faunos

Indie también, mas crudo, mas adolescente. Muy colorido

Martin Minervini
Mezcla de balcánica con pop y un poco de house? Ponele, suena bien.

Las Fantoms

Chicas Rockeras

Las Piñas
Chicas Surferas

Las Ligas Menores

Ultra Indie, parece de New York, suave.

El Sur

Indie Noise Dúo

Sobrenadar

Definición del pop

Diego Armando Buena Onda

Indie. Muy natural, crudo.

viernes, 11 de septiembre de 2015

The Libertines - Anthems for Doomed Youth

La verdad que The Libertines es una banda que nunca me gustó mucho. Pero si rescato la violencia y crudeza que tenían. El cliche rockstar de Pete Doherty y sus locuras de drogado o borracho siempre fueron boludeces y ahora, en esta era de buena onda verde y ecología, ya no es copado el rockero fisura.
Acaban de lanzar su tercer disco después de un parate de 11 años donde sus dos miembros principales, Carl Barat y Pete Doherty, formaron otras bandas con bastante éxito; Dirty Pretty Things y Babyshambles respectivamente. Debo decir que en lo personal, me gusta más lo de Barat.
Pero bueno, ya sea por dinero o por gusto, siempre es bueno que una vieja banda, que marcó una época, vuelva. Por lo menos para ver cuanto era verdad y cuanto eran ansias de juventud.


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El disco empieza algo surf, uno piensa que han cambiado el estilo, pero no. Ya el estribillo tiene el clásico beat de batería tipo twist y la forma pop 60s. Lo cierto es que sigue bastante el estilo general de The Libertines, pero con un sonido un poco más cuidado, no tan agresivo. De hecho el segundo tema y corte principal Gunga Din es demasiado balada. El tema que da nombre al disco Anthems for Doomed Youth está bueno y pareciera que busca justamente eso, ser un himno para esta juventud condenada, como si ellos mismos se quisieran posicionar en un lugar de banda mítica para los pibes de ahora. Eso lo hace la historia, uno no se puede poner ahí. You're my Waterloo, otro de los cortes, balada clásica de piano. Nada, no sorprende. Este tema marca la mitad del disco y aun no pasa mucho. Veremos que sucede con el bendito "lado B".
Belly of the Beast bien, buena onda, arriba, pero el estribillo... que onda? muy tirado de los pelos. No me estaría gustando el disco, pero al menos la segunda parte parecería levantar un poco. Sorprendentemente, o por ahí no, uno de los mejores temas es Iceman. Una balada acústica con la rusticidad propia de Pete Doherty, pero con un vuelo bastante psicodélico, piola. Como se veía venir, el disco no hace mas que levantar, por suerte. Heart of the Matter, con una onda algo Arctic Monkeys, promete ser el tema que la rompe en vivo. Sigan así muchachos que vamos bien. Lo que sigue son menos de tres minutos de rock power comprimido, casi que no hay lugar para el estribillo en Fury of Chonburi, bien, ya que esos estribillos muy cancioneros de estos pibes a veces cansan un poco, todos tienen una forma muy similar, pero en este caso lo cortan de cuajo, está bueno.
Para terminar la balada The Milkman's Horse está bien, pero es muy cliche, casi Coldplay, pero los pibes no se dejan ablandar; Glasgow Coma Scale Blues de los mejores del disco. Exactamente lo que uno esperaría de una banda de rock inglesa. Poder y una bajadita para entrar al estribillo, y el final no puede ser mas brit, tiene la union jack pegada este tema.
Cierra con un tema de esos justamente himno. No está mal, tiene un piano cinedramatico mudo que le da un lindo color al cierre. Y el tema en general esta bien, es eso, uno de esos himnos que nos vienen a proponer estos rockeros de alma.
En conclusion, es el extraño caso del disco que empieza como el orto y termina barbaro. En realidad, no es extraño el caso, ha pasado mucho, pero esperaba mas de estos pibes cuando empece a escuchar. Esperaba que me vuelen la peluca con baladas de rock al palo, pero bueno, todo eso que esperaba se va desarrollando con el correr del disco, no es una piña directa.
Si el lado A tuviese la onda del lado B seria un discazo, pero lamentablemente no es así, es medio discazo. Que va a ser...


jueves, 10 de septiembre de 2015

Rock'n'Swing

Como diría George Harrison en aquel icónico capítulo de los Simpson "Esto ya se ha visto!".
Si, lo hizo Mike Flower's Pops en los 90 clavando un hit con su version Swing de Wonderwall de Oasis, hace unos años lo hizo Richard Cheese, que tenia una version zarpada de Welcome to the Jungle de los Guns, y ahora lo hace este tipo Scott Bradlee con su Postmodern Jukebox.





















La idea es hacer covers de clásicos del rock y pop internacional, mas o menos modernos, estilo swing big band. Con músicos y sobre todo cantantes que la rompen.
Bradlee, pianista, músico y productor, viene haciendo estas versiones en clave George Gershwin desde 2009 y este año sacó nada menos que cuatro, si cuatro discos con la Postmodern Jukebox, donde se destacan uno karaoke, para cantar estos clásicos modernos en tu fiesta swing 40s que tan de moda están ahora, y este ultimo "Swipe Right For Vintage".
Están muy buenos los nombres de los discos y el arte de las tapas porque combina vocabulario moderno con estilo viejo, por ejemplo el titulo del primero de este año se llama "Selfies on Kodachrome".
Algunos de los hits que se destacan en el amplio catalogo de esta banda, que lógicamente, no es fija, es rotativa, son Someday de los Strokes, Creep de Radiohead, Seven Nation Army de White Stripes y Stacy's Mom de Fountains of Wayne.
Dos copas de vino y a relajar, estaria bueno que le agreguen un poco de fritura de vinilo!


martes, 8 de septiembre de 2015

Los discos de Ricardo Mollo

Ayer tuve la posibilidad de ir a la grabación de un episodio de Vinílico en la Biblioteca Nacional. Vinílico es un programa de Vorterix (la radio de Pergolini que se ve) donde el conductor, Maxi Martina, invita a un artista destacado del rock nacional a recorrer la audioteca de la Biblioteca Nacional y seleccionar los discos mas influyentes en su vida. No sabía que la biblioteca tenia una audioteca. Buen dato.
En esta oportunidad el invitado fue Ricardo Mollo, maestro. Guitarrista de Sumo y Divididos.
El auditorio Jorge Luis Borges estaba lleno, no cabía nadie más. Había gente sentada en el piso y los pasillos. Todos querían escuchar a Mollo hablar de los discos que influenciaron su vida. Mientras la gente entraba sonaba Amapola del 66 en su versión vinilo, sonaba bastante bien.


Eventualmente el conductor subió al escenario y presentó a Ricardo, quien tan tranquilo y humilde
como siempre, entró con su mochila (que carajo lleva Mollo en la mochila que no la deja nunca?!), se sentó en el sillón y expresó contento "que bueno! vamos a escuchar música..."
Aparentemente el guitarrista había seleccionado más de 20 discos, pero solo hubo tiempo para hablar específicamente de cuatro. Así que, a eso vamos

1. Sumo - Llegando los Monos
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Cuando agarra el disco dice "venia con un sticker" y estaba! y dice "esto lo hice yo" literalmente. Cuenta que él mismo cortó los stickers que venían en la primer tirada de los discos, en una serigrafía que tenia su padre. Ver al tipo, 30 años después, retrotraerse al momento en que estaba haciendo lo que sea por darle rosca a su banda, a lo que más el quería, con sueños de vivir por y para eso siempre, fue realmente emocionante.
Al ver la tapa Ricardo exclama "el paquete de Pettinato!" haciendo referencia a la foto de tapa y a las fotos internas que fueron sacadas por el entonces saxofonísta y destaca una donde Diego Arnedo, bajista, se había metido adentro de la funda de su contrabajo y se había puesto una maceta en la cabeza (Cabeza de Maceta temazo de Gol de Mujer).
Hablando de esto cuenta que en esa época tocaban mucho en TV y que una vez fueron a tocar al programa de Mario Sapag, cómico argentino que se destacaba por sus imitaciones. Cuenta que estaban todos disfrazados y que al terminar el tema se tiraron al piso tipo muertos, lo que fue una imagen bastante bizarra que los productores de la tv de aquel entonces no supieron comprender y el programa fue cancelado. Sapag dijo "saquen a estos sucios de acá..."
El tema que eligió para escuchar fue Cinco Magníficos. La verdad se escucha bastante mal. Cuenta que fue grabado en una Fostex de 8 canales en la casa de Timmy en córdoba, una batería electrónica con flanger, contrabajo de Arnedo con delay y la guitarra sintetizador de Mollo, crearon ese paisaje tan extraño y mántrico.

2. Trío Galleta - Estoy Herido
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El Trío Galleta fue un grupo de Rock Soul argentino que cantaba en ingles. En 1970 sacaron este disco "Estoy Herido" íntegramente de covers de bandas internacionales. Iban desde el titulo I've Been Hurt de Bill Deal & The Rhondels, pasando por Green River de Credence Clearwater Revival y, una de las razones por la que Mollo elige este disco, una versión medio beat soul de Light My Fire de The Doors. Cuenta que su hermano Omar era amigo de Carlos Iturbide, guitarrista y voz principal de la banda y que escuchó ésta versión del tema, que después grabaría en el primer disco de Divididos "40 Dibujos ahí en el Piso" antes de escuchar la versión original de la banda de Los Ángeles.
Cuenta que este disco lo lleva a sus épocas de escuela, donde aun no sabia tocar la guitarra y le iba muy mal como alumno. Incluso en la misma escuela, había otro pibe que se llamaba Ricardo Mollo y le iba bárbaro. Muy bueno.
Obviamente el tema que eligió para escuchar es la versión de Light My Fire. Excelente. Muy buena versión, buen sonido, mucha onda, espectacular.

3. Frank Zappa - La venganza de Chunga
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Cuenta que este disco es fundamental en su historia porque fue el primer disco que el compro en su vida. Fue en Chilecito, la Rioja, en un viaje con su padre. Apenas llegó al pueblo, buscó la disquería local a ver que encontraba. Y el disquero le dijo "ya se lo que vos buscas..." Obviamente el catálogo de una disquería de Chilecito en la Rioja en el año 1970, era escueto y principalmente folclore. Pero el dueño del comercio entendió lo que éste joven quería. Fue atrás y sacó este disco y el primero de Billy Bond y la Pesada del Rocanrol. Así empezaba el camino roquero de Ricardo. Después llegarían Led Zeppelin y Jimi Hendrix gracias a su amigo Titi, con quien se conoció en el barrio por el solo hecho de tener el pelo largo. Cuenta que Titi andaba con los discos y estaba siempre al tanto de las novedades del rock. Fue inclusive con quien armó su primera banda. Muy buena esta historia donde dice que Titi y Omar Mollo tocaban guitarra y Ricardo cantaba. Y tenían unos vecinos que tocaban bajo, órgano y batería. Esa banda se llamaba Cinto Ancho (está en la letra de Cajita Musical, tema que abre el sexto disco de estudio de Divididos).
Elige para escuchar el tema La Venganza de Chunga por el solo. De ahí sacó la idea del wah-wah y le pidió a su madre que le compre uno inclusive antes de la guitarra eléctrica.

4. Atahualpa Yupanqui
Mollo ha dado tantas notas en tv últimamente, en distintos formatos, que ésta anécdota ya parece de película. Pero no deja de ser importante porque habla prácticamente del primer recuerdo que Ricardo tiene respecto a la música; él, junto a su hermano y su padre, andando en la vieja Rastrojero cantando El Arriero.
Cuenta que lo que más le fascina de Atahualpa es la forma tan simple y profunda a la vez que tiene de describir las cosas, el respeto a la naturaleza, y las injusticias que han sufrido los habitantes de nuestras tierras.
Muy interesante escuchar lo que cuenta que le pasó en Estados Unidos cuando grabaron la versión de este tema para el tercer disco de Divididos "La era de la Boludez" pero eso se los dejo para que lo escuchen de su boca cuando salga el programa al aire que, lamentablemente, no se cuando será.
Obviamente, el tema que eligió para escuchar fue El Arriero.


Bueno, esto es un simple resumen de esta tan agradable experiencia que tuve la posibilidad de vivir, escuchar música con uno de los músicos más grandes y sencillos de nuestra historia. Vean el programa porque es muy agradable ver como el chabón reacciona y va recordando cosas solo mirando la tapa de un disco.
Algunos otros discos que había elegido fueron dos de Invisible, uno de Almendra y el primero de Pappo's Blues.



viernes, 4 de septiembre de 2015

Kadavar - Berlin

El rock, el viejo rock. Es siempre igual, no hay nada nuevo. Cualquier banda que venga a querer revolucionar el rock, que se dedique a otra cosa. El rock tiene una forma y características establecidas y así nos gusta. Es como el flan mixto. Es flan, dulce de leche y crema. Más o menos caramelo, es eso, no se puede cambiar, no vale la pena, es un riesgo modificarlo. Ahora, al sabor y al placer en tu paladar, lo van a hacer la calidad de los componentes, de los huevos, de la leche, del azúcar y de la onda y el amor que le ponga el maestro repostero. Con el rock pasa lo mismo, en una analogía digna de Pedro Saborido. La formula es una, es una cuestión de onda, amor y calidad del que lo hace. Ya lo dije muchas veces, necesitamos gente que lo siga haciendo para no escuchar siempre los mismos discos de Zeppelin, aunque parezca que son los mismos temas.

Play ►
















Eso es Kadavar, un trio de rock y punto. Barbas, riffs pesados unísonos y batería platillosa. Los primeros dos discos "Kadavar" y "Abra Kadavar" son mas pesados, bien Sabbath o Hawkwind. Este ultimo, "Berlin" tiene mas onda, algo mas stoner también, que vendría a ser como la evolución del rock clásico. Un rock mas contemporáneo a nosotros que no crecimos con Deep Purple o Led Zeppelin. Pero si con Soundgarden y Queens of the Stone Age ("stoner" vendrá de ahí? investigaré).
Impresiona un poco el hecho de que sean alemanes, de Berlin precisamente, como el nombre de este disco. Disco que, a diferencia de los dos anteriores, tiene mas groove.
Bueno no tengo mucho mas que decir sobre esta banda, porque no vale realmente la pena ahondar en los detalles de los temas y demás. Simplemente una buena banda de rock clásico, a veces hard, a veces stoner, a veces psicodélico, it's only rock and roll. El mejor es el bajista, como debe ser en todos los tríos de rock.
Seria bueno verlos en vivo, y qué acertada la reseña pues se presentan el 24 de septiembre en el Roxy live de palermo. Lastima que la entrada cuesta $350. Soportan Poseidotica y Sauron.
Alguien tiene club La Nacion?

jueves, 3 de septiembre de 2015

Los discos de Agosto, perra

Buenas amigxs.
Aquí les traigo un listado de 26 discos que salieron en agosto.
Los que están grandes son los que más me gustaron (sobre todo los primeros cuatro).
Mas abajo, los players chicos, son los que están bien.
Sugiero ir picando y quedarse escuchando el que gusta nomas, sin complicaciones.
Disfrutad